
Baja Cosmic Joker - Galactic Supermarket ACÁ/HERE

Baja Cosmic Jokers Sci Fi Party ACÁ/HERE

Baja Cosmic Jokers - Cosmic Jokers ACÁ/HERE

Baja Cosmic Jokers - Planeten Sit-In ACÁ/HERE
Baja Cosmic Jokers - Gilles Zeitschiff ACÁ/HERE




Baja Cosmic Jokers - Gilles Zeitschiff ACÁ/HERE















Una derivación del ensemble de free jazz italiano Jooklo Duo cuya discografía incluye el maravilloso ensemble Neokarma con la aparición de Makoto Kawabata (pronto subiré ese disco porque complementa perfectamente la tendencia out-there de mis últimos posts). Los discos del Duo son clásico free jazz : alaridos de saxo y batería, más bien una manifestación política que una escencia puramente musical (digamos....Rashied Ali junto a Arthur Doyle). Con este ensemble "Golden Age," incluyendo la participación de otros 3 músicos, el free jazz que presentan toma la forma de una música más meditabunda y oscura: utilización de drones y frecuencias perpetuas acompañado de un baño de platos de batería y un pulso constante contrastado con los gritos ocasionales de Virgina Genta, el saxo desenfrenado que hace su voz de libertad sobre este ritmo reconocible y lineal. La instrumentación que rodea el núcleo del ensemble (batería y saxo) son los encargados de generar el ambiente arcano que el disco presenta: las congas y las lineas de bajo remontan a un Egipto o un Japón ambivalente y mitológico y el resto de los vientos y sintetizadores ayudan a reforzar la sensación "fuera del tiempo" que el disco sugiere ya desde el nombre del ensemble "Golden Age". Es difícil incluir el nombre del disco en el sonido que presentan: Tropical Trip parece sugerir una experiencia hedonica completamente ausente en el disco, salvo por breves pasajes de flauta y las manifestaciones anarquicas del saxo y el ritmo a veces progresivo de la batería. El disco escapa la clasificación de free para volverse world music dada la influencia de los diferentes instrumentos y su transito libre entre estilos, melodías, ritmos y sonoridad. Un verdadero goce ambiental, ruidoso, salvaje, oriundo del no lugar que habita nuestra mente con sus monólogos incesantes y la esporádica aparición de la verdad.



Pardons son un Duo, la "avanzada" cósmica de Acid Mothers Tempel. Son los invocadores, los nigromantes de la avalancha AMT, conocedores de lo oscuro, la mano a lo arcano, lo desconocido. Como todo proyecto arrancado del sello de Acid Mothers Temple cuentan con las participación en producción del ya nombrado acá Makoto Kawabata, para sofisticación y predica del sonido porvenir. Pardons son cósmicos, así de simple. Baños de bizarria sintetizada sobre el dark ambient preciso de la buena psicodelia. Tracks extensos y metamórficos, llenos de frecuencias extremas, reverb, implosiones y voces del otro lado. El disco es pa picarse la vena con Ketamina, nada más cerca que eso, ni la yerba o el LSD. Las imágenes del Dr. Thompson, terribles bebes marchitos y velludos hablándonos de nuestro "permiso" en el mundo, de paso por la existencia. Como los japoneses, este trabajo es verdaderamente electrónico, sin la presencia del "ambiente" a lo early Tangerine Dream, sus texturas son tan "ficticias" que se vuelven una experiencia literaria y narrativa, sci fi, del buen sci fi como Phillip K Dick; experiencia mística.




[Rock Psicodélico koreano]

[Noise, Experimental]
[Rock Psicodélico]
[Post-Bon-Jovi]
En Febrero muchos se van a vacaciones, otros vuelven y hay quienes ni siquiera tienen y ocupan su tiempo en subir discos. Para este tres tipos de personas, les dejo estos compilados de música Go-go o música "prohibida" en los años 60; por su contenido erótico y obsceno en esos tiempos. Estaba pensando en publicar a Luis Miguel, luego a Nubeluz pero después me dije: "Hueón, se supone que este blog no es chacota: manten la seriedad" En espera que Gurowner vuelva de sus vacaciones, los dejo con esta ninfomanía erótica y muchas veces ridícula.
A ver, estos hueónes se separan en el 81, el vocalista Genesis P-Orrifge y Peter Christopherson forman Psychic Tv, Christopherson conoce a John Balance y forman Coil. Así que: gracias al transexual de Genesis existe Coil.
Throbbing Gristle - Best Of... Vol. II
Throbbing Gristle - The Second Annual
Thobbing Gristle - D.O.A: The Third And
Throbbing Gristle - 20 Jazz Funk Greats
Throbbing Gristle - Mision Of The Dead Souls
Throbbing Gristle - The Mission Is
Throbbing Gristle - Asume Power Focus
Throbbing Gristle - Nothing Short Of
Throbbing Gristle - Funk Beyond Jazz
Throbbing Gristle - The First Anual Report
Throbbing Gristle - T.G Now
Throbbing Gristle - Part Two: The Endless Not


[Punk-Rock]


[Rock Neo-Psicodelico Turco]
[Psicodelia Eclectica]
Creo que en psicodelia sudamericana, hay un pueblo que tiene un valor indiscutible en cantidad y calidad de desquicios Rock y Pop en los sesenta y setenta: Brasil, y principalmente su tropicalia. Lo extraño es que solo los Os Mutantes tienen un prestigio, que tantos otros también merecen - Tribo o Modulo 1000. Por eso decidí subir este discazo de los subvalorados Som Imaginario. Esta banda partio apoyando a Milton Nacimiento, para luego tomar rumbo propio en una melódica y libre aventura psicodélica, que con el tiempo se solidificó en un progresivo bastante particular. Con un sonido que abarca desde ritmos típicos de Brasil, al Jazz, la Vanguardia y obviamente la psicodelia Británica - Beatles y Pink Floyd - Som Imaginario sacó tres discos; dos homónimos con un caracter mas psicodélico y pop, para desintegrarse tras la salida de "Matanca do porco", un disco instrumental de una caracter mas progresivo y sinfonico. Los imaginativos fueron entre otros Naná Vasconcelos, Robertinho Silva, José Rodrix, Toninho Horta, Wagner Tiso, Tavito and Marco Antônio Araújo. Este es el segundo disco de Som Imaginario, que como ya hemos dicho, extrañamente, al igual que el primero, es homónimo. En este disco dejan atrás el sonido más claramente Brasileño del primer disco, y se embarcan en un sonido a la vez rockero como melódico, pero siempre dando espacios a extrañas deformidades… al nivel de un “The Piper at the gates of dawn”, pero con el saborcito tribal del amazonas. Es ese tipo de discos que tienen ese carisma único de los setentas más rebelde y lisérgico, y que tan particularmente emana ese anarquismo sabroso que fue la tropicalia en sus primeros días.
Altamente recomendable. Es extasiante como pasan de la luz a la oscuridad, y de la estructura al caos, del groove -bossa nova, swing, blues, etc- a la densidad, de manera tan natural y carismática.


Este lo tengo en K7*.
Hace 8 años, iba por el Persa y le pregunté al gordo punketa que tenía un puesto de discos por una banda realmente buena, que no sea lo mismo que ya llevaba escuchando desde que aprendí que la música no es solo la mierda que dan por TV. Pagué la luca, me entregó el producto, lo llevé a mi casa y, empecé a alucinar pesado... Tirado en el piso con baba en la comisura de los labios y retorcijones musculares. Me gustó.
Si crees que el punk es repetir todo el rato las mismas notas y los mismos gritos, voy a discrepar. Esta verdadera obra de arte que presentamos aquí desmiente el punto. No tan solo la variedad musical, en que el saxo tiene un lugar privilegiado en ciertos temas, o la creatividad a la hora de ejecutar de esta banda son prueba de que no cae en los típicos clichés del género... Hay que escucharla con calma, cada detalle importa. Lo que más me agradó fue la puesta en escena de “pico con la weá, me paro con mis amigos frente al escenario cagado de la risa y lo paso bien. Estoy borracho, ¿y tú?. Sabes, me aburrí de putear a los pacos. ¡Cantemos sobre los mongoles!”.
Cuando hablamos de bandas como Peter & the Test Tube Babies o Splodgenessabounds, nos referimos a una época y corriente única en el punk británico que surgió y tomó fuerza entre el 80 y el 83. Este estilo, proclamado “Punk Pathetique” o “Punk Patético”, era una especie de “OI!” bastante experimental, aunque no lo encasillemos de esta forma. Consistía en letras ridículas, burlescas y absurdas. Según la FUENTE DE LA VERDAD ABSOLUTA que es Wikipedia, incluye temas humorísticos de clase obrera. No esperes aquí a un cabeza rapada gritando a los cuatro vientos “mata a un nazi y a mearle encima o vicerversa”, porque no lo encontrarás. Más bien: “dame una chela y unas papas fritas”, o “se me metió el calcetín dentro del zapato”. No vengamos con cosas, es igual de imbécil el concepto, pero por lo menos aquí no hay un intento psicótico por salvar a la humanidad, sino por hacer reír, y eso es proporcionar un bien a la hora de escuchar este tipo de albumes.
Para finalizar, resumo simplemente en que es una creación muy entretenida y original. Como siempre cabe agregar un dato freak, por ahí leí que Mick Jagger participa en un par de temas. No me pregunten qué es lo que hace porque la verdad, no me interesa.
*Cassete, para los que no cacharon.
Descarga I don't know ACÁ/HERE
[Krautrock]
[Krautrock]
Oh! Ave Alemana a 1000 fps!
El krautrock no deja de sorprender. Su mitología es tan intensa y vasta como una valkiria o el silmarilion. “Montado sobre el secreto” como quien elige un caballero del zodiaco favorito yo incurría en la lógica afirmación de considerar a Manuel Gottsching, guitarrista del aquí publicado Ash Ra Tempel, como el mejor guitarrista de la oleada Krautrock. Así lo demostraban Amboss de su homónimo, los proto-amboss de las Private Tapes, su trabajo solista proto-electro “inventions for electric guitar”, la versatilidad pero a la vez estricta relación con el blues que le antecede. Crimen y no. Siempre encontramos en la fauna un insecto más deslumbrante. Crimen es no valorar lo antes visto, la experiencia que sujeta todo aquello que ahora deslumbra. Pero Crimen también son las aseveraciones vanas, nacidas del fervor momentáneo. Achim Reichel es el Halcón que (según cuenta Nicolás) puedes ver a cierta hora en el edificio alto de Principe de Gales con Vicente Perez Rosales. Su trabajo me fue introducido por Juan en su infructuoso blog Starship 1967. Su review es acerca del primer disco de Achim Reichel con su banda Machines, un espejo sofisticado del ya mencionado “inventions for electric guitar” que vendría siendo, según Juan, una “proyección sonora que incluya más instrumentos, capas y por ende caminos por dónde ir. Se pueden reconocer las secuencias onderas de la guitarra proto new age del "Inventions" en este disco, estilo que desarrollan durante sus próximos cinco publicaciones, junto a pinceladas de blues, experimentación y ecualizaciones lisergicoalcaloidísticas que pueden traer más de algún recuerdo a los iniciados” y yo concuerdo con la descripción, agregando además que para el placer de muchos ese disco obedece al formato canción; como el bueno de Jimmy Hendrix, la psicodelia contenida contra los extensísimos jams puede ser más placentera si uno no prefiere el genero mayormente. En este, su segundo disco, Achim renuncia al formato canción en busqueda de un momentun más cósmico e hipotónico. La guitarra y la mayoría de los instrumentos son utilizados para secuenciar (ahí su símil con el Inventions, salvo que el Inventions está ejecutado exclusivamente con guitarra electrica) generando una pasividad llena de variaciones y texturas que glorifican la experiencia. Achim conduciéndonos ante tal paisaje encima de sus guitarras bluseras que van y desaparecen con la misma gracia de un avistamiento maravilloso; cuando sin esperarlo pero extrañamente sugerido caen las notas abriendo un espacio atemporal e integrador: un collage de orientalia, experimentación de estudio y música religiosa (alabanza mantrica), de ahí su conexión con una experiencia más espiritual antes que psicodélica hedonista pero tangencial a la liberación moral que el blues trae de vuelta en su amargura. Podemos reconocer en las composiciones de Achim el mejor resumen de las estrellas Krautrock, y eso lo hace merecedor del Ave Latinoamericana. Ash Ra Tempel, Amon Duul, Can, incluso Popul Vuh y Guru Guru, Achim Reichel & Machines va a satisfacer a los amantes de cualquier banda que se adjudique el rock como herencia y la psicodelia como consecuencia.
Baja Echo AQUÍ/HERE
[Dark Ambient]
Otro "dato freak" es que el nombre de esta banda proviene de un comic porno-gótico italiano que circulaba ahí por los años sesentas. Muy cachondo y sin mucha trama, la verdad. Sea como sea, sobra la leyenda, porque al escuchar esta obra nos meteremos en un mundo tan oscuro que pareciera que las mismas sombras se comieran a las sombras, es una perfecta misa negra. A veces, irrumpen blasfemos coros "angelicales", a veces, los órganos tienen unos desvaríos que harían llorar a la gente de terror si estuvieran en una película de Lugosi, otras, las arengas ocultistas se toman la escena...
[Noise / Experimental]
Nenia es una banda Italiana que se podría decir de Dark Ambient, aunque agregan elementos que no son característicos del estilo, por ejemplo las narraciones que más que eso son susurros, gritos y llantos. Prácticamente no muestran muchos samplers y utilizan, en algunos temas, percusiones casi militares; pero yendo a lo que a mí mas me importa son los sentimientos que me producen al escucharlos: Son la raja, estos italianos si que saben mostrar la desesperación en todo su esplendor a través de este disco del año 2000, editado por el sello Beyond…prod. Empezando por los vocals de Giuseppe Imprezzabile (que además toca los teclados, guitarra y programa los samplers) que de verdad uno cree que el desgraciado está pa' la cagá sicológicamente, hablando, especialmente cuando llora, lo que en conjunto con la instrumentalización de Andrea Bisi y Massimo Rossi (todos hacen de todo, sintetizadores, teclados, samples y guitarra) logran a través de su música que te sientas oprimido. Te transmiten su depresión, de hecho el nombre del disco no pudo ser mejor escogido…
Espero lo soporten y les guste… ¡¡¡Emos, abstenerse o se arriesgan a cometer suicidio!!!

Hotel Hotel, 1986: Free Jazz, Avant Garde
Una de las herencias de Bolaño es cierto resquemor a la propia situación de ciudadano, y como Bolaño es transversal a la muerte y su invitación es constante (siendo la muerte el mejor lugar para el diálogo), ubicarse en un sitio es particularmente peligroso: no hay forma de reconocer el sentido de los pliegues en el rostro de un desconocido, ajeno por el abrupto orificio que la demencia (la que verdaderamente ocupa este nombre arrinconada por otra palabra séptica, la que de alguna forma se hereda) ha abierto entre nosotros. Algunos seguimos atentos a los hechos (casi todos muy misteriosos y sugerentes) que delatan la patria, la que alguna vez efervesió en una idea como un beso entre dos amantes, quizá algún epilogo en el brote de la sangre “burning like champagne”; otra forma de invitarnos la hoz. El verdadero sitio, Tio.
La música conforma su espacio dividiendo la posibilidad de su placer en categorías sensoriales e intelectuales: música de relajo, música como ejercicio de torque sobre cierto engranaje, así abrir la oración siguiente y sentido porvenir, un lugar como una épica, lazos transparentes entre lo incomunicable. Hotel Hotel es el lugar donde Jacques Berrocal ha encontrado su abecedario e incendiada muerte – la crisálida – en cada eventualidad. El concepto principal invita a la destrucción del lugar desde donde se aprecia la música. La instrumentación otorga a cada valor un timbre étnicamente opuesto o movedizo dentro de la escala de lo discordante, creando el cubo de cristal, aquel extraño pasadizo de vidrios donde creemos que Bruce Lee contrajo la muerte. Los lugares están casi siempre lamidos por la necesidad de atravesarlos a diario. Pero su despliegue de movimiento es bastante superior al lugar habitat donde concentramos las actividades básicas; en ese sentido el tránsito es el lugar literario del habitar porque concierne al desplazamiento a través de sectores clausurados de movimientos o unidades de acción. Berrocal aprehende este principio y descubre el eclecticismo de comportamientos que sugería el “drama del desencantado” de Márquez. En todos los rincones una breve explosión de identidad, espacio (como un gajo de naranja) en el tiempo. Y la experiencia acaba hasta alcanzar el lugar donde nuestro cerebro vuelve a entintarse de ocio en el lugar que ya conoce. Su respuesta (la de Jac): tracks de corta duración, vientos reverberados, el misticismos sugerente de las escalas orientales, los misterios desde la occidentalidad europea y su vista sobre el mundo: “ahí, estirar la mano y coger el oro” y de repente el quiebre de manos pesadas sobre un piano alejado en una amplia habitación del primer siglo. Un hombre solo, interpretando, y del otro lado la furia del movimiento compulsivo hacia el espacio: calzar todas las notas, recorrer todos los lugares y en ellos el secreto de todos los hombres para lograr ser él hombre por todos.
Avant- Garde es sin duda la última espina de las crónicas Kafkianas. Es el lugar que nos retiene por fin y permite el punto de vista, pero cuyas cerraduras cambian todo el tiempo. Buscaremos mañana acceder al momento de excitación, pero las paredes y surcos, caminos y puertas serán distintos, no obedecerán a dinámicas físicas ni metafísicas y tampoco se incluirán en la representación de nuestra épica. Son instancias que uno elige en un disco o en la calle, paneo de ruidos y edificaciones, la verdadera ciudad que crece a voluntad enmarcada en nuestra propia experiencia cultural, y como habita en nosotros, como la elegimos en la proliferación de cunas intelectuales, representa inmediatamente la muerte y el beneficio de ella en la existencia. Vamos sofocándonos y retomando el aliento. Auto-atentándonos. Reconociendo que inevitablemente nuestra disposición en el mundo es errónea, que no hay mundo y no hay merito, y menos existe el hogar si el hotel desde donde decidir el próximo transito.
PD: Datos duros: Berrocal pertenece a la misma camada de músicos Franceses que fueron apadrinados por la loba Futura. Colaborador de muchos proyectos además de una solida discografía solista, ha contribuido con Francois Jeanneau, el aquí publicado Jacques Thollot, Pascal Comelade; este disco cuenta con la colaboración de Pierre Bastien, todos músicos bastantes preocupados en alcanzar un sonido particular y elocuente, truly “out-.there” sound, fundiendo sus estudios y origenes en el Jazz con cualquier intervención sonora descubierta hasta la fecha. AVANT a
Baja Hotel Hotel ACÁ/HERE


Peter Kürten fue uno de los asesinos en serie más conocidos de Alemania. Conocido como "El vampiro de Düsseldorf", cometió al menos 9 asesinatos de adultos y niños y 7 intentos frustrados.
Kürten nació en la localidad de Mülheim, Alemania, siendo el tercero de trece hermanos en el seno de una familia extremadamente pobre. Kürten presenció como su padre, un alcohólico y violento trabajador en paro, maltrataba a su madre e, incluso, violaba con total impunidad a alguna de sus hermanas menores. Kürten escapó de su hogar a los 9 años, a la ciudad de Düsseldorf., donde cometió sus primeros asesinatos; ahogando a dos amigos mientras se bañaban en el río Rhin.
Fue contratado como perrero: acá experimentó el "placer" de torturar, violar y matar a perros abandonados. No fue el único caso en la vida de Kürten donde experimentaría experiencias sexuales y torturas con animales.
Sus violentas tendencias se fueron incrementando a medida que se iba haciendo mayor. Paralelamente, Kürten necesitaba trasladar esas experiencias sanguinarias de animales a humanos. Así, su primer asesinato, a parte de sus dos amigos ahogados por él, lo cometió el 13 de mayo de 1913. Kürten merodeaba una casa presuntamente vacía para robar. Pero en ella se encontraba Khristine Klein, una niña de 13 años que dormía en su habitación. Kürten, tras comprobar que no había nadie en la casa, estranguló a la joven para terminar degollándola.
En 1929, llegó el año más sangriento de Kürten. El 8 de febrero, asesinó a una niña de 8 años. El 23 de agosto, mató a dos hermanas de 5 y 14 años. En septiembre mató a una mujer con un martillo. Y el 7 de noviembre, llegó al punto álgido de su locura al matar a una níña de 5 años y enviar a un periódico local el mapa de la tumba de la niña asesinada.
No es gratuito que Whitehouse le dedique un disco a este asesino en serie. Que a mi opinión personal, es uno de los más estratégicos y que admiro. Al igual que Whitehouse: pocos discos decepcionan o dejan con gusto a poco. Esta no es la excepción.

Dieu trahi par le sort et privé de louanges,
O Satan, preds pitié de ma longe misère!
O Prince de l'exil, à qui l'on a fait tort,
Et, qui, vaincu, toujours te redresses plus fort
O Satan, preds pitié de ma longe misère!...
O toi qui de la Mort, ta vieille et forte amante,
Engendras l'Espérance –une folle charmante!
O Satan, preds pitié de ma longe misère!"


Muchos nombres. Ahora hablemos de ruido






Conjunto formado en 1977. Con un sonido que el Post-Punk de ese tiempo nunca había podido lograr: parecer una banda Dark-Folk. Y no es cuento nuevo que las bandas del 70 tengan modificaciones - en cuanto a composición e integración - The Raincoats no es la excepción. Partieron con un bajo, una guitarra y dos féminas al canto: Ana Da Silva y Gina Birch [The Red Krayola]. Odyshape es la segunda entrega, donde participa Richard Dudanksi y Robert Wyatt. Lo que más se puede apreciar en este disco, son los cambios repentinos que tiene cada tema; pasando de un folk bien calmado a ritmos que muchas veces son violentos, tanto en música como en letras. Estos cambios, habitualmente se generan con violines y harta percusión, donde uno comienza a darse cuenta que esta banda va en serio. Sea el día que sea, en el mes que sea; este disco es ideal para escucharlo en invierno o mientras llueve. Solo, acompañado o con un affair. La cosa es ponerle atención y que esta magnífica obra hable por sí sola. 




Tardé en entregarme a Nurse With Wound. Cuando desgajaba su infame lista de influencias que acompañan el artwork de esta, su primera entrega, nunca pensé que la banda que se abanderaba todo aquel avant, free y kraut que estaba escuchando iba a volverse un objeto tan importante en mi discografía.
La foto anterior corresponde a la lista de influencias de NWW, casi todas bandas de los 60 y 70 que estaban experimentando con la herencia de Stockhausen y la libertad como principal fuerza compositora. Esta lista acompaña a este primer lanzamiento pero no representa un guía para entender el sonido de NWW. A pesar la influencia del concepto de "libertad", NWW se empecina en crear un sonido oscuro a partir del desorden y del caos. Usando la libertad, manipulándola, nos trae de vuelta toda la oscuridad ontologica y los desastres nucleares (por mencionar rostros invadidos de sopor y putrefacción) que nos atan, que nos recuerdan los lazos a nuestra propia mortalidad. No es de extrañarse que esta música este catalogada de "Dark Ambient", nombre bastante ambiguo si me lo permiten, pero que da una idea de lo que enfrentaremos cuando presionemos Play. Chance Meeting On a Dissecting Table of A Sewing Machine and An Umbrella es una mezcla exquisita de chirridos de guitarras eléctricas, manipulación azarosa de juguetes músicales o "noisemakers", espacios distendidos, ambientes y habitaciones beatniks, música del desorden y del tormento: un disco cuya libertad subraya la propia oxidación del cuerpo y eso lo convierte en una experiencia real, en arte subyugando el hedonismo.


Los dibujos animados tienen soundtracks increíbles, donde un martillazo o un yunque puede parecernos agradables gracias al sonido que acompaña esta imagen. Este concepto, lo aplica el señor Mike Patton [Mr.Bungle, Fantómas, Tomahawk] y Masami Akita [Merzbow]; este último, a pesar de no ser tan conocido como el anterior, ha hecho alrededor de 250 discos, empezando a salir en créditos de películas Bondage [pornografía sadomasoquista]. Patton ha estado experimentando con ruidos desde 1991, pero este disco, podría considerarse su clímax, ya que hacía falta el ingrediente que sólo se lo pudo otorgar Merzbow. En este disco te vas a encontrar ambientes demasiados oscuros, que se podrian utilizar en una película de Dario Argento o en alguna gore censurada en India [al estilo Cannibal Holocaust]. Los gritos de Patton se suman a las frecuencias desfasadas de Akita, y esto hace que se produzca una escena sonora descabellante y exagerada, lo que hace que esto sea una experiencia genocida para los oídos de alguien que le gusta Coldplay.



Pasó de ser el chascón con pinta de grunge, al jazzista que se le cae el pelo. Seguramente, quienes alucinan con Fantômas, Ornette Coleman o Boredoms, van a defecar semen con esta banda.

La primera vez que escuché a Bernard Vitet estaba enamorado de la poesía de una mujer y esos términos determinaron la búsqueda que ahora absorbe “
La segunda y tercera composición aceleran la sensación como un primer punto de giro. Una violencia; violines desgajando un ruido de gatos heridos, y una voz femenina en la versión francesa de Rosi Muller que recuerda la ironía de todo el dolor, su retorno eterno a la literatura. El mismo paisaje eterno del free jazz interpretado por mi inocencia frente al idioma francés. Como Diamanda Galas gritaba “we are stakes” la música acá invita desde la imagen de una “lolita” vulgar e idiota. Sabemos lo que subrayan los vientos “no seas imbecil, no te aventures en esa pieza, esa mujer” no creas la libertad que se dibuja. Los solos de los vientos comienzan un ataque frente a las interrogantes antes planteadas. Solos breves, frenéticos, desafinados; la imagen convulsionada de un cuadro de Miguel Angel. El free y su coro disonante en la forma de la duda y el gran juicio. Las voces son cada uno de los soplidos y las percusiones el eco de las palabras en la piel del hombre juzgado, cualquiera sea el escucha. El juicio termina en el monologo de Rosi francesa, instando al público a recordar el pasado del que se presenta al disco: mirarse con un hombre en cada ojo.
“La guepe et le fruit” de traducción “la avispa y la fruta”. Pero yo no creo que sea un insecto. Los vientos ahora hacen de sus solos una unidad que taladra, explotan como las composiciones de Ornette en el “shape of jazz to come”, esas maquinas que quería llegar a Zion, golpes rítmicos de hombres encerrados en una habitación en llamas. El hombre busca su comida y eso es lo único que hay: el verbo engullir. La música se desordena en un banquete intenso, lleno de cruces de conversaciones y palabras alcanzadas con la mano. El habito de llenarse y la soledad de Rosi acompañada de un contrabajo como tripas y nausea. Un hombre de apariencia afable que está a punto de vomitar en esa cena de cerdos. Prisioneros de la vida y el hambre, Vitet nos bautiza insectos, maquinas programadas en sus necesidades.
Y ahora que estoy encerrado en la crisálida queda renacer. Vientos que retuercen el cuerpo y mis colores tratando de romper las murallas. Cada acorde recuerda la elasticidad de las morales que nos inventamos, y cuando por fin se ha roto la crisálida afuera, el universo, es el contrabajo asegurando curiosidad y otra búsqueda que terminará en la nueva forma al final de este disco, que no acaba en su transmutación horrible. Los vientos están enfrentándome a la configuración, como Jim Morrison invitándose a la cárcel. No contentos con el desorden creado, que es la creación de un orden, la música se deshace de mano del lenguaje de Rosi, que va asegurando los momentos subrayando las dudas indicando lo humano de la ausencia de forma. El tema concluye con un fade out, otra alegoría de lo inconcluso, el mal(¿?) de la música “out-there”
Cierre. “Balle de fusil (2)” su traducción me es ambigua. Algo así como “bala de fusil”. Violines frotados en notas muy agudas. Me recuerda a Iva Bittová en el documental “Step across the border” sobre Fred Frith. La sensación de errancia. No tengo idea hacía donde terminará esta épica. Quizá en el suicidio pero difícil de un prolífico como Vitet. Demasiada compañía de los instrumentos. Quizá nosotros el instrumento de la muerte. Convertidos en insectos la máquina y su evolución hacia la depredación. Durante unos segundos el contrabajo percutido dando un tempo regular, el recuerdo de una marcha y la comedia de la obstinación. Rosi discursiva, no es necesario entenderla para saber que la retórica debería sugerir una idea que acaba claramente en el punto centripeto de toda la música sus 44 minutos de aproximación al vacío y los vidrios y plasticos que hemos recolectado dentro de esa palabra. La música está incompleta, como el dibujo de quien escribe. Nadie lo es.
“Nada lo es”
PD 2: cada vez que nombro “Rosi” puedo estar diciendo “Bebe” o “Dominique”


Banda Punk Vasca. Una de las pocas que nunca utilizó letras ni símbolos nazis.


