martes 7 de julio de 2009

Cosmic Jokers - Discografía

La mitología detrás de esta agrupación suele tildarse de irónica y divertida: la gran broma del krautrock, tan grande como el cosmos. Pero esta misma conjunción de situaciones es un poco la explicación del mundo y todas aquellas cosas que florecen incluso la muerte, y sobre todo una pieza de música superior, esparciendose por tu pieza sin rigidez haciendo eco de tu aliento hacia las cosas. En el Krautrock tienes de todo. Alemanes eclécticos como perros violentos, agazapados, reducidos por una maravilla tanto más violenta. La música al final es así, una fuerza, puedes incluso desplazar las cosas y entrar en comunión con ellas gracias a ella. Y el Krautrock es una pieza así en el rompecabezas: una violencia demente (¿Dónde duerme el Guasón, qué hace en su pieza?); palabras grandilocuentes y sobrepasadas totalmente por su forma. De toda su ardiente mitología la que yo considero más trepidante es aquella que corresponde a la camada Ash Ra Tempel, sencillamente por la razón primeriza de un tema llamado Amboss, de su homonimo, que representa para mi la perfección de la trascendencia hacia la desmaterialización. Qué puedo decir, son estas las palabras que me evocan. Se dice que la discografía de Ash Ra Tempel en su line up original es entera una gran pieza de jam, extensiones de las mentes de músicos inmaculados, delgados y sonrientes; y siempre se puede caer en la representación de sus temas con soberana instrospección y seriedad y convicción de la elocuencia espiritual de sus frequencias; cada vez una reinvención de la partitura, a cada segundo una revelación del mito. No he sentido en otro lugar aquella energía arcana que me proporciona Ash Ra Tempel, y cuando, desesperado, la busqueda había llegado a su fin (después de 5 discos de estudio, un LP extraño y varias "private tapes") sin esperanza alguna de volver a sentir esa comunión con lo otro, aparece Cosmic Jokers (y narrado así si parece broma...). Resulta que Cosmic Jokers no es una banda, fragmentos de su discografía corresponden a "bandas" jameando, bandas como sin nombre entidades musicales, pero no son una banda propiamente tal, es el descabellado proposito y profecía del señor Rolf Ulrich Kaiser. Rolf es un productor alemán de avanzada. Siempre atento buscando el out-there, siempre presente en las mejores producciones de la época. Un amigo de Ash Ra Tempel, amigo de Wallestein, amigo de todos un conocido Alemán de renombre y ecos de historias perturbantes. Rolf era también organizador de eventos psicodelicos. Entidades me gusta llamarles, Happenings incluso yo diría la genesis original de la música concreta. En estos eventos el LSD se tomaba como agua y se jameaba y se grababa sin el aparente consentimiento expreso de los músicos, que a mi me consta les valía madre el papelón que les iba a pegar Rolf, todos menos el agraciado y prolifico Klaus Schulze baterista por esos días de Ash Ra Tempel y por ser Iniciador y principal representante de la Escuela de Berlin. Como aquellos retratos de swingers y cámaras de video recién desarolladas por las empresas gringas de los 60 que captan la escena para provecho de uno o todas las exitaciones de los presentes, pero diferente, oculto, porno malicioso. Eso es Cosmic Jokers, una masa densa de manipulación, extañeza y psicodelia. El resultado de un GAP alucinatorio, infinito y circular, y de la gran traición de otro personaje del arte, como Max Brod nuestro Rolf Kaiser, son la discografía eterna de Cosmic Jokers, 5 discos, demandas posteriores, pastiches y viajes al centro, superficialidad y epidemia de la lucidez. El resultado es también la entidad que la palabra kosmische divisa, Música del otro. Música que ya estaba, inventada, desde siempre (las comas son necesarias). Precisando: Cosmic Jokers es agudos punteos de Manuel Gottsching, su virtuosismo placentero, sutil, bluesero y hedónico al mismo tiempo, las baterias trepidantes de Schulze, mucho espacio para el esparcimiento de las caras B de los discos de Ash Ra Tempel, de cara al tiempo y escupiéndolo, las voces dulces y lisergicas de Rosi Muller, las narraciones de Timothy Leary sobre su encuentro con los chicos de Ash Ra Tempel en europa despues de su exilio, clásicos sintetizadores de sonidos analogos y desvirtuados y enfatizados meneandose sobre lo certero y la fantasía, todo mezclado a suerte de la mente de nuestro genio Rolf, quien recogió las voces de estos pobre muchachos de la Alemanía avergonzada y supo perpetuarlas todo al mismo tiempo que estaba creando un nuevo genero y se mantenía como ser humano en Alemanía. Un Sobreviviente.


Baja Cosmic Joker - Galactic Supermarket ACÁ/HERE


Baja Cosmic Jokers Sci Fi Party ACÁ/HERE


Baja Cosmic Jokers - Cosmic Jokers ACÁ/HERE


Baja Cosmic Jokers - Planeten Sit-In ACÁ/HERE

Baja Cosmic Jokers - Gilles Zeitschiff ACÁ/HERE

Michel Portal - Alors!!! [1970 / Francia / Futura]


He estado estático en la contemplación del Jazz Francés. Hay una aspiración cósmica más aplicable a nuestro tiempo que aquella comunión social y efervecientemente humana del Free Jazz homólogo Americano. El Free Francés me hace recordar la Kosmische Musik Alemana, esos atisbos de subrayar lo elocuente de las vibraciones atómicas; en todos lados explosiones constantes, galaxias en nacimiento y un puro pulso horriblemente semejante a Dios, sin otra respuesta. Así mi incursión sistematica en el sello Futura, madre de artistas verdaderamente tocados por lo Otro: Thollot como una invitación lejana, la ironía de las notas de trompeta de Berrocal, las texturas de Favre la batería reiventada, melódica y exasperante, vientos Franceses, Tusques, toda la avanzada casi militar de Magma y los derivados de su Zehul; semanas completas de instrospección, la guerrilla interna: música desde los huesos la voz de Grotowski contra todo el universo. Y en el Persa la hermosa esperanza de ese sonido ahora análogo en mi tornamesa; discos del sello ECM que apadrinó durante los ochentas a Favre, Surman y Barre Phillips (presentes en este disco) todos hijos de Futura. Así me hice de dos vinilos espectaculares. ECM, a precios módicos, uno de Surman con Favre y otro de Phillips con Favre (la conexión está en ese primer disco solista de Favre en Futura, Abanaba) y escuchándolos en mi casa, durante la noche santiaguina acompañado de la marihuana encontrar una sofisticación preciada muy propia de los ochentas, herencia de Paul Bley y otros, un sonido depurado y etereo muy poco desgajado pero tremendamente desgarrador. Bueno, esos discos son para otra vez, su respectivo rip en calidad optima y otras declamaciones prontas. Ahora doy una vuelta a la decada de los 70 donde el Free era aún un grito profetizador que acabaría un poco instalado un poco retribuido propio del arte que triunfa (porque lo verdadero es el fracaso). Este disco muestra toda aquella curiosidad de los gatos europeos hacia el trabajo de las estatuillas de marmol americanas. Mucha reminescencia a "the shape of jazz to come" de Ornette, Portal en el Alto y Surman en Soprano homologando el dueto Cherry-Coleman con la diferencia sonora evidente pero un discurso similar en la expresividad. Algunos tracks, claro, otros se disipan en la texturización propia francesa similar a la Horde Cathalique Pour La Fin, Cohelmec Ensemble etc...No liberandose totalmente de la estructura la música consigue ser reminiscente, evocar dialogos y situaciones y lugares habitados por mitología encarnada. A veces hay verdadera desesperación, otra veces complacencia y espectaculos circenses, de todas formas un display de habilidades tecnicas y reconocimiento de la herencia impresionante; una mirada más que crucial a una de las escenas de Jazz más importantes de Europa.

De "Dusty Groove America":

A landmark French avant session from the start of the 70s -- and one of the most bracingly brilliant albums ever recorded by saxophonist Michel Portal! Portal's paired here with British reedman John Surman -- and the duo play some amazingly complex lines on the date -- very freewheeling, but not entirely without structure -- as Portal handles alto sax and bass clarinet, and Surman blows soprano, baritone, and bass clarinet as well. Other group members include Barre Phillips on bass, Stu Martin on drums, and Jean-Pierre Drouet on percussion -- and the use of two percussion players, without piano, makes for a very unique quality to the record. Titles include "Oo Bam Ba Deep", "Ca Boom?", "Undercurrent", "Yes, Oh Yes, You Wonderful Sun Kissed Maiden", and "Y En A Marre".

Baja Alors!!! ACÁ/HERE

Rama - Fugitivos [2007] Chile


En 10 años han sacado dos discos, eso habla mucho. A la vez, hablan mucho de esta banda, la mayoría de las veces es en mala. Cuando Deftones tocó por primera vez en Chile, los iba a telonear Rama, pero supuestamente ellos intentaron sobornar a la productora con dinero para quedar seguros. Ese supuesto no se solucionó y a Deftones los teloneó 2X...
Fugitivos es un disco la zorra, más allá que le digan místicos o alternativos; es un disco que mezcla la honestidad de Rage Against The Machine y esos cambios magistrales que se encuentran en Tool. Prefiero que el disco hable por mí. "
Traer de vuelta el ritual... Revolución compañero"


Baja Fugitivos ACÁ/HERE

martes 30 de junio de 2009

diAblo - Seiseiseis [2007] Chile


Hace tiempo no escuchaba algo relacionado al Post-Rock. Antes me preguntaba ¿Qué diablos es el Post-Rock? Y por muchas definiciones que escuché y leí, lo recomandable es escuchar bandas como Squirrel Bait, Red Krayola y Slint.
Del sello Satanista, nace Seiseiseis; un disco que llamó mi atención desde el primer día que los escuché. Fue gracias a Felipe González que conocí a esta banda. Y es el pedazo de banda. De aquellas que tuvieron que haber teloneado a Damo Suzuki, cuando vino a Chile.

Me impresiona la cantidad de ruidos que ocupan, sonidos ambientes y efectos que perturban al nível que Kawabata logra en su " disco". Esta obra tiene muchos cambios, a veces uno se olvida que se trata de la misma banda; es en el caso de Caea, un tema de 21 minutos que no agota escucharlo; partiendo con un sonido muy parecido al de Tortoise e ir manifestandose de a poco, como lo haría Mogwai en sus tiempos de Rockaction.
Insisto, si hay bandas que debieron acompañar a Damo Suzuki; una, de muchas: NO ES Congelador, y en el Normandie; puta, tanta linterna molestaba. Pero eso es para otro capítulo... ¿O NO?!


Baja Seiseiseis ACÁ/HERE

domingo 28 de junio de 2009

Popol Vuh - Fitzcarraldo [1982] Alemania


Soundtrack de la película dirigida por Werner Herzog. Popol Vuh hace referencia a un libro sagrado de los Mayas K'iches [Popol= Reunión/Civilización y Vuh = Libro], la película se realiza en las amazonas de lisboa; donde Fitzcarraldo quiere construir un teatro de la música; para que los indigenas puedan apreciar la opera y la música en general.
Fitzcarraldo es un soundtrack étnico, donde no sólo realiza sonidos de tribus y rituales indigenas, sino que son varias composiciones hechas Opera. A la vez, son adaptacionesde algunas obras de Strauss. Lo que más se escucha en este disco son voces tenores y soprano, pianos otorgados por el difunto Florian Fricke, instrumentos de viento y percusiones rápidas que dan ese aire amazónico. No aseguro que esta sea la mejor obra de Popol Vuh [decidir eso sería categórico y soberbio], aún así, recomiendo este soundtrack, como obra indispensable en tu colección de discos.

Baja Fitzcarraldo ACÁ/HERE

domingo 21 de junio de 2009

Lustmord - Heresy [1990] Inglaterra


Proyecto del señor Brian Williams - creador de Arecibo. En esta ocasión, se adjudica el seudónimo de Lustmord; palabra Alemana que significa "Asesinato lujurioso".
Heresy presenta sonidos en dirección al Dark Ambient. Literalmente, esta experiencia puede ser "un viaje al infierno". El disco consiste de 6 tracks y no tienen nombre, sino que partes [Part I, Part II, etc]. No me considero seguidor de ningún comic, pero este disco me hace pensar que sería un buen soundtack de alguna adaptación a una historia en viñetas; de terror, con harta sombra y sin diálogos: serían gestos y sonidos impredescibles. Sería más que interesante hacer el siguiente ejercicio: cerrar los ojos y luego dibujar cada track: el resultado puede convencerte que eres un gran ilustrador.
Más que definir lo que ustedes mismos puedan experimentar, este disco requiere luz apagada. Así que, cancele cualquier cita romanticona y dedíquele un tiempo a esta obra.

Baja Heresy ACÁ/HERE

sábado 13 de junio de 2009

Elend - Les Tenebres Du Dehors [1996] Francia


Cuando existe una complicidad con una persona que también disfruta de la oscuridad, un regalo indispensable es esta obra de estos compositores Austro-Franceses. Les Tenebres Du Dehors fue grabado en Holy Records - sello discográfico que se especializa en música Gótica e Industrial Francesa, Finlandesa y Griega. En este disco incorporan a Nathaly Barbary; voz soprano que aporta un sonido totalmente distinto a sus dos trabajos anteriores. Elend son de esas bandas que prefería guardar y escuchar a solas; pero me di cuenta que el egoísmo no hace bien en la música.

Los sintetizadores, samplers y voces que se ocupan en este disco, recuerdan al neo-clasisismo de Pazuzu y Blood Axis. Más que hablar de esta obra, se la recomiendo a toda persona que está dispuesta a meditar en la oscuridad, a quienes no consideran a Lucifer como un demonio; sino que lo contrario: un Iluminado que nos viene a salvar de las verdaderas garras jerárquicas, esas que brillan de hipocresía en sus predicaciones. Les Tenebres Du Dehors es un mensaje directamente desde el infierno. Dedicado a quienes buscan respuesta en lo más aterrador y en lo que, afortunadamente, nos hace fuertes: el inconsciente. Dejemos que se manifieste un momento; aunque sea en un viaje nocturno.

Baja Les Tenebres Du Dehors ACÁ/HERE

jueves 4 de junio de 2009

DRONE / DRONE: Barn Owl - Bridge to the Clouds, US, 2007 / Sun Araw - The Phynx, US, 2008

Desde aquellos años donde La Mote Young deleitaba junto a John Cale en su Theatre of Eternal Music (una experiencia inacabable, una verdadera risotada contra el tiempo) el drone se ha internado lentamente en casi todos los estilos musicales; una especie de mirada constante hacia la tradición musical oriental y los procesos invocados de Terry Riley y Stockhausen con sus repetitivas y minimalistas secuencias, incluyéndolos, perpetuos y sugerentes, en el genero progresivo (ecléctico y desesperado ante el sonido estacionario) y obteniendo así el krautrock y algunas de las primeras experimentaciones electrónicas que también recurrían al minimalismo como fuente de expresión (Affenstunde y In den Garten Pharaos de Popul Vuh son la prueba, también el temprano Tangerine Dream y los lados B de Ash Ra Tempel). Así la música vuelve a dar la espalda al virtuosismo en busca del sonido y la experiencia. Barn Owl y Sun araw son dos épicas presencias de esta tendencia en los States. El primero presenta un hibrido entre el sonido blues de un Skip James, pasando por las modulaciones de Sonic Youth en su álbum medio road-sonico Made in Usa y cruzandodolo o subrayado por un feedback sutil que revitaliza todo este sonido y lo hace sonar distante y extraño y out-there. Este disco podría llamarse la ventana de un grupo con sensibilidad tradicional hacia el minimalismo, como lo prueba su siguientes lanzamientos que son mucho más extremos en sonido en su tendencia "perpetua" como califica el Drone. Una perfecta mezcla entre Loren Mazzacane, Bob Dylan y los paisajes que sugieren los Taj Mahal Travellers, este disco es para no iniciados en el Drone que aún necesiten ese ápice de formula y coherencia en las notas para enmarcarse dentro de la experiencia. Sun Araw, el 2008 pasado (cuando Barn Owl y muchas otras bandas Norteamericanas estaban dando ese salto hacia el minimalismo) lanza este discazo titulado The Phynx. Su nombre sugiere automáticamente esa tradición etno-egipcia-psicodelica de la que Ash Ra Tempel es responsable. En este disco no hay transiciones: pura textura, pura iteracion, puro mantra, pura devoción; religioso, espiritual, y celestial, este disco atraviesa todas las condiciones de la psicodelia y el aventón moderno hacia un viaje transtemporal que recuerda culturas extintas y las voces del interior: gritos, aullidos y suspiros ante la elocuencia de la naturaleza.


Baja BARN OWL - BRIDGE TO THE CLOUDS


Baja SUN ARAW - THE PHYNX

domingo 31 de mayo de 2009

Can - Soundtracks [1970] Alemania


Viene Damo Suzuki a Chile ¿Quién es este sujeto?: Alberto publicó un disco hace algunos meses. Suzuki es el vocalista de la banda Alemana Can, que en ese idioma significa "Lata" [vease la carátula de Ege Bamyasi] Lo curioso es que la banda que acompaña a Suzuki se llama Congelador: espero no sea un fraude.

Soundtracks son de esos discos que no se olvidan, más allá de sus progresiones y melodías pulidas, son de esos discos que pocos toman en cuenta y que no son considerados "obras maestras" [como es el caso de Tago Mago].

Algunos encuentran que esta banda es "muy pegada", monótona incluso; yo sólo puedo decir que hay personas que encuentran el funk y el reggaeton: algo entretenido... Can no hace música para entretener de manera explícita; dicen que en la sutileza está el encanto: en ese caso, Can enamora e incluso obsesiona.

"Don't Turn The Light On, Turn Leave Me Alone" fue la primera presentación de Damo Suzuki en Can, reemplazando al primer vocalista, Malcolm Mooney. Can en el Krautrock es parecido a lo que hizo AC/DC con el Rock n' Roll: le dio un empuje a la experimentación; ya sea en sonido o en las letras. Bendito sea el día que conocí a Can; me hizo ver que la pretensión rockera de los 90 vale callampa, que es una verdadera mierda el plagio pauteado y que lo bueno se conserva por años.

Can, una banda que no se "puede" dejar pasar; eso sí que sería una "lata"... ¿O no?

Baja Soundtracks ACÁ/HERE

sábado 23 de mayo de 2009

Arecibo - Trans Plutonian Transmissions [1994] Inglaterra


Quiero dar las gracias a mi compadre ReZNik por presentarme este disco. Arecibo es un proyecto creado el británico Brian Williams; cuyo seudónimo es Lustmord [que en Alemán significa "Asesinato lujurioso"]. Williams se dedica a hacer Dark Ambient. La mayoría de sus colaboraciones han dado resultados bastante buenos; entre ellos, los hiperquinéticos de Melvins, donde su colaboración fue en el disco "Pigs Of The Roman Empire". También ha trabajado con John Balance de Coil, con los señores de Tool; en el disco "10.000 Days" y en los singles Schism y Parabola del disco "Lateralus", en su DVD que salió el 2005.

A sus 26 años de carrera musical ha realizado 20 discos; con colaboraciones y como proyectos solistas. Arecibo es otro seudónimo de Brian Williams, donde uno se encuenta con un Space Ambient bastante agradable, donde se intenta una comunicación inter-espacial. En este viaje uno se encuentra con sonidos de radiaciones termales, actividad de electrones, radio galaxias, choque de estrellas; y lo que lo hace más interesante: algunos pertenecen a la Nasa.

Al igual como lo hice con Eyvind Kand y el link que habla acerca de los Repilianos; recomiendo ver este video antes de escuchar el disco.

Video de de David Icke

Baja Tras Plutonian Transmissions ACÁ/HERE

miércoles 13 de mayo de 2009

Tyll - Sexphonie [1975] Alemania


Hablar de algo que te gusta es como cocinar: las opciones son demasiadas; el resultado es lo que importa. Y este disco tiene muchos ingredientes. Es más, puedes querer un segundo plato. Tyll es una banda Alemana que no se encuentra en un parche, ni en una polera comprada en un centro "underground". Ni cagando; es más, a cualquier seguidor de Tool o Mr.Bungle le va a gustar esta banda, ¿Porqué?: ¡porque son la zorra!. Sus cambios son tan impredecibles, que pueden pasar de un rock progresivo a un go-go. De un folk a una psicodelia; y se agradece, porque no es una banda pretenciosa, ni con "un sello", mucho menos con seguidores. Lo que hace que sea única, no comercial y sobretodo: auténtica. Sexphonie demuestra que Alemania tuvo un tiempo desordenado, donde lo militante no va de la mano en la música ¿Y qué mejor que la rebeldía sin gritos? Ni siquiera puedo definir a esta banda: tiene muchos cambios armónicos y reponde de buena manera a un panorama nocturno. Tyll es un fisting a muchas bandas post-rock [término pretencioso que da arcadas]. Nombro a Tool por el disco Lateralus, que es un disco que se parece mucho a éste: osado y sin temor a la incoherencia sonora, a eso que es repentino, a lo que no tiene sentido, un orden, un sinónimo redundante que deja claro lo anterior. Tyll... ¡pedazo de banda!

Baja Sexophonie
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jueves 7 de mayo de 2009

Eleven - Avantgardedog [2000] EE.UU


El perro Avantgarde, hipnotizado de una sonorización honesta, sin pretensión y que lamentablemente no sigue vigente. Eleven es un trío de Los Ángeles, los conocí escuchando a Alfredo Lewin, en radio Rock & Pop, presentando "You're Not Alone" fue donde me dije: "Tengo que conseguir este disco" Por lo que lo tuve que encargar. Y valió la pena, porque me encontré con canciones que parecen un maritirio desesperado, esos que huelen a "¿Te quieres casar conmigo?"; me refiero a "What Can I Do?" para luego del posible "Ni cagaaando" alegrarse con "It's Ok".

Alain Johannes [guitarrista y cantante] es esposo de Natasha Schneider [vocalista y tecladista], juntos trabajaron con otros artistas, entre ellos, "Euphoria Morning" de Chris Cornell y "Song For The Deaf" de Queens Of The Stone Age's

Avantgardog son de esos discos únicos, que no se pueden comparar con ninguna obra; es más, emociona el sólo hecho de hablar de esta obra. Considero de esos discos que hace falta escuchar cuando estás solo.

En memoria de Natasha Schneider [22 de Mayo de 1956 - 2 de Julio de 2008] Sé que Johannes le cantaría "Beautiful Self" en su hermoso rostro... Avantgarde, perro.





Baja Avantgardedog ACÁ/HERE

martes 21 de abril de 2009

Eyvind Kang - Athlantis [2007] Canadá


Eyvind Kang ha trabajado en la música desde 1995, con más de 15 bandas, entre ellas Secret Chiefs 3 [Trey Spruance] y Laurie Anderson [Teenage Jesus & The Jerks]. Sus primeras obras las editó en el sello del sequísimo y maestro John Zorn [Naked City]Este disco de Eyvind Kang lo produce Ipecac Records [Werckman/Patton] Patton y Kang trabajarán en un futuro proyecto: que será otro ataque a los Illuminatis. "Andegavenses" debería ser un himno universal; venceriamos a los Reptiles Humanoides, pero quizá somos ellos mismos, y esta música los despierta. Athlantis es una aproximación al apocalipsis; tal como lo que pasó con Lennon o Cobain: se oculta información que perjudica a conspiradores; Eyvind Kang nos adelanta ese cambio; 4 días con osuridad, miedo y desesperación por saber lo que mucho intentamos explicar, pero que se nos trataron de locos y paranóicos, con su sarcasmo y su estúpido escepticismo.

No me extraña que estos cantos Gregorianos, mezclados con guitarras casi flamencas y los tonos agudos de algunos coros sea una profecía maldita, que invoca tanto como Diamanda Galás a Baudelaire; esto se asemeja a Eyvind Kang


Les recomiendo que le hechen un vistazo a esto mientras escuchan el disco, o antes de escucharlo; leelo ACÁ/HERE

Baja Athlantis ACÁ/HERE


domingo 19 de abril de 2009

Aera - Humanum Est [1974] Alemania


Alemania es un país serio y ordenado;eso dicen. Aera nos dice lo contrario: Alemania puede pasarlo bien, incluso innovar y salirse de la estructura. Humanum Est son lo inicios de esta banda, y su sonido es espectacular, parecido a una resina en llamas; profundo, silencioso y con sabor a una buena experiencia. No sólo extienden los Jammin' sino que convierten ese Kraut en un Jazz que va progresando de a poco. Todas las composiciones instrumentales las hizo el guitarrista virtuoso Muck Groh; y no sé si es idea mía, pero su sonido me recuerda mucho a Deep Purple en los riffs, a veces a Magma en los cambios. Definitivamente es un disco que no pasa desapercibido.

Baja Humanum Est ACÁ/HERE

jueves 16 de abril de 2009

Laibach - Opus Dei [1987] Yugoslavia


La primera vez que escuché este disco: lo encontré fome; mi comentario fue algo como: "La típica hueá patriota como Rammstein". Luego lo escuché con atención y dije: "Puta la banda la zorra".

Laibach es una palabra Alemana, sinónimo de la capital de Eslovenia; donde conviven Latinos, Alemanes y Eslavos. El sonido militante sintetizado logra un ambiente bélico, con sonidos que se salen de lo industrial y se acercan a una propuesta menos bailable. Lo caracteristico de este disco son dos tributos: "Geburt Einer Nation" que corresponde a "One Vision" de Queen, el otro es "Opus Dei" [y Leben Heibt Leben en Alemán] de la banda Alemana Opus. Opus Dei tiene mucha variedad de sonidos y estilos; no se quedan en el ritmo 4/4 electrónico con samplers - como muchas bandas industriales - sino que van más allá; es más, siento que manipulan samplers para distraerte o inculcar de manera invasiva un mensaje subliminal, es más, muchas veces me recuerda a Coil, en cuanto a la mezcla y aparición de samplers. Tal como Courage Wolf [youtube] inspira confianza, esta obra inspira motivación. Me gustaría escuchar un tema de Laibach en una disco, que no sea Tanz Mit.

Baja Laibach ACÁ/HERE

lunes 13 de abril de 2009

BATCH OF US PSYCH: Cold Sun - Dark Shadows / Creme Soda - Creme Soda / Electric Hole - The Electric Hole [1968 - 1970] US

Me pasé toda la semana santa descubriendo nuevo material de antiguos artistas que me han maravillado; concentrándome en el avant garde y el free jazz de los 70 no he descansado mi oído de los azotes contestatarios e innovadores de estos gatos lisergicos (redescubriendo a Thollot, el recién publicado Jean Guérin y la discografía casi completa de Sun Ra, si acaso eso es posible). Me desperté esta mañana un poco cansado y decidí darle una vuelta no al drone ni al shoegaze ni al krautrock ni al bebop que me acomodan sino al antiguo y elocuente psych norteamericano. No dejaré mucho comentario, esto es psych a la antigua, sin mucha triquiñuela de estudio: guitarras ácidas, suaves acordes electroacusticos, pasajes de armonica y voces medio beatlescas: un viaje tranquilo hacia el fin de la década de la esperanza (but a trip, nevertheless):


Bája Cold Sun - Dark Shadows ACÁ/HERE


Bája Creme Soda - ACÁ/HERE


Bája The Electric Hole - ACÁ/HERE

sábado 11 de abril de 2009

Elend - A World In Their Screams [2007] Francia


Disco apocalíptico, de las entrañas y sin pudor. Son de esas obras que tienes que escuchar con un perro que se está muriendo por viejo, y gatos que miran con envidia esa conexión: Hay que rescatar lo antiguo, lo que fue honesto; eso que no tiene adorno para agradar. Elend significa "miseria" en Alemán, es un proyecto Francés compuesto por Iskandar Hansawi y Renaud Tschirner y siento que sus ambientes oscuros son necesarios en tiempos de miedos y conspiranoias [terrorista virtual]

Si tienen el libro Las Flores Del Mal de Charles Baudelaire, leánlo escuchando este disco; son de esos aciertos que en una hora te deja claro que no es mentira lo del 2013, la teoría Gaia, los Illuminatis y muchas conspiraciones que hacen creer que uno es paranoico, pero no: este disco y Las Flores Del Mal me demuestran que no es así; que esto no es de ahora, que no es moda el sol escondido en 4 días.
A world In Their Screams contiene un apocaliptic-ambient bien honesto; no experimenta: expresa, y puta que da miedo.Este disco lo considero una poderosa herramienta para vencer el electro-magnetismo, telepatía y todo tipo de conspiración informatica.

Baja y celebra el 2013 con este disco ACÁ/HERE

jueves 9 de abril de 2009

Jean Guérin - Tacet / Jacques Lasry - Chronophagie [1971 - 1969] Francia & US

Jean Guérin es otro oscurísimo músico apadrinado por la Loba Futura. Su trabajo es acaso el menos maistream en comparación a sus otros compañeros qué ahora pululan los blogs de esta gran comunidad: si buscas a Jacques Thollot o a Jacques Berrocal sin duda los encontrarás de inmediato (incluso en este blog); Jean Guérin a permanecido oculto y no es justo, siendo este disco uno de los más radicales puesto en vinilo por Futura, completando el despegue del free jazz y la experimentación electrónica desde "Quand le son devient aigu..." de Thollot hasta el verdadero genero kosmische electro acústico si es que existe tal cosa. Tacet es un despliegue totalmente espacial, su sonoridad busca subrayar situaciones fuera de este mundo, es un complejo tramaje de sintetizadores, percusiones y vientos (el gran Bernard Vitet presta sus servicios de trompetista), recordándome sutilmente los primeros ambientes acuosos de Popul Vuh con algunos tracks de "la Guepe" de Vitet, una cruza espontanea desde el avant garde hacia el jazz y todo el recorrido entre medio. Como toda música de "librería", esta es prácticamente inclasificable, solo se pueden dar referencias de su sonido abstracto que la aludan tangencialmente: desde el free jazz tenemos la herencia francesa de Futura y algo de la cosmogonía Sun Ra, desde la experimentación electrónica tenemos a los cosmic jokers junto al disco Tarot de Walter Wegmuller - all rolled into one thing -. Y bueno...ayer me quedé escuchando este disco toda la noche, una vez tras otra, y buscando alguna iteración de ese sonido y no volver a mi krautrock encontré que Jean Guérin participó en un "evento músical" bastante espacial llamado Chronophagie compuesto por un tal Jacques Lasry (que de tal...no tiene nada, este disco lo pone el las tribunas de la experimentación de inmediato). "Evento Sonoro" en tanto tiene sus reglas en la composición: todos los instrumentos debiesen ser acusticos y no electronicos, encima homemade para que cualquier persona pudiese interpretar dentro del "evento" (salvo algunas excepciones en vientos y tabla) una especie de escultura comunal de la música. El resultado es sencillamente espectacular. Aunque carente de los aparatijos electrónicos que en Tacet reforzaban la sensación de extralimitación, esta música no necesita nada para sugerir otro lugar más que su propia sonoridad; es otra pieza inclasificable y cósmica producida en la decada más lisergica de todas.


Baja Tacet ACÁ/HERE


Baja Chronophagie ACÁ/HERE


lunes 6 de abril de 2009

Golden Jooklo Age - Tropical Trip [2008] Italia

Una derivación del ensemble de free jazz italiano Jooklo Duo cuya discografía incluye el maravilloso ensemble Neokarma con la aparición de Makoto Kawabata (pronto subiré ese disco porque complementa perfectamente la tendencia out-there de mis últimos posts). Los discos del Duo son clásico free jazz : alaridos de saxo y batería, más bien una manifestación política que una escencia puramente musical (digamos....Rashied Ali junto a Arthur Doyle). Con este ensemble "Golden Age," incluyendo la participación de otros 3 músicos, el free jazz que presentan toma la forma de una música más meditabunda y oscura: utilización de drones y frecuencias perpetuas acompañado de un baño de platos de batería y un pulso constante contrastado con los gritos ocasionales de Virgina Genta, el saxo desenfrenado que hace su voz de libertad sobre este ritmo reconocible y lineal. La instrumentación que rodea el núcleo del ensemble (batería y saxo) son los encargados de generar el ambiente arcano que el disco presenta: las congas y las lineas de bajo remontan a un Egipto o un Japón ambivalente y mitológico y el resto de los vientos y sintetizadores ayudan a reforzar la sensación "fuera del tiempo" que el disco sugiere ya desde el nombre del ensemble "Golden Age". Es difícil incluir el nombre del disco en el sonido que presentan: Tropical Trip parece sugerir una experiencia hedonica completamente ausente en el disco, salvo por breves pasajes de flauta y las manifestaciones anarquicas del saxo y el ritmo a veces progresivo de la batería. El disco escapa la clasificación de free para volverse world music dada la influencia de los diferentes instrumentos y su transito libre entre estilos, melodías, ritmos y sonoridad. Un verdadero goce ambiental, ruidoso, salvaje, oriundo del no lugar que habita nuestra mente con sus monólogos incesantes y la esporádica aparición de la verdad.

Bájalo ACÁ/HERE

viernes 3 de abril de 2009

Foresta Di Ferro - Bury Me Standing [2000] Austria


Proyecto Australiano que nos obsequia un Dark-Folk apocalíptico. Los conocí por Julián y encuentro que son de esos discos que no son de doble lectura, aquellos que consideras o aborreces en una sola oportunidad. Cuando me enteré que O Paradis había trabajado con Novy Svet [publicado proximamente] sentí un impacto muy la zorra; ese mismo impacto lo sentí cuando me entero que Foresta Di Ferro trabajó con Svet/Paradis.

Bury Me Standing son de esos discos que sorprende: empiezan con una promesa Dark-Ambient [recomiendo escucharlo mientras se camina de noche, en una plaza o parque] Uno se encuentra con muchos feed-back y una oscuridad progresiva en cuanto a sonidos graves; para luego saltarse a un neo-folk con una armoniosa guitarra, sintetizador y la voz de Richard Leviathan [Ostara]

Si hay una cosa que admiro de estas bandas dark-folk son sus samplers, que la mayoría son en Italiano, Francés o Británicos; dando a la confesión una oportunidad de ir destrozando lo propuesto [embarazar a una mina con la puntita], de no dejar un rastro de culpa si un sonido se acopla o simplemente dejar la cagá con previo aviso [trío con tu novia]: Foresta Di Ferro hace eso. Es más, hay temas militares que recuerdan a Total War de Boyd Rice [no llores Black Metalero: no es de Impaled Narene] Insisto en que los samplers es algo fundamental para este tipo de música. Los que gustaron de Militia Christi y Nenia; no quedarán indiferentes frente a esta obra.




Baja este disco absolutamente la zorra ACÁ/HERE

martes 31 de marzo de 2009

Pardons - Charlie's Pardons [2003]Japón


Segunda entrega del este dúo cósmico recientemente publicado en Anadiomena. Más dimensión out-there de mano de la electrónica y el folclore. Bien psicodelico pero no trepidante ni epiléptico, este disco me recuerda los primeros discos de Popol Vuh; el sonido atravesando un medio acuoso y sutil como un velo y una katana. y luego un trabajo acústico, guitarras de Jazz y voces tradicionales. Mucha tradición, narraciones sensitivas de biografías japonesas, dolores y encuentros con la naturaleza. Increíblemente femenino, los ambientes orientales sugieren una sensualidad distendida y madura, una música que en sí es una resolución, la narración de un pasado que ha sido superado por los hombres o la historia que se cuenta a si misma después de nuestra desaparición. Mucho más temático que el Pardons, su homónimo, Charlie's se podría decir es una evolución ideológica (sin que eso signifique bandos) de una banda cuyos anales deben haber sido la lisergia e irreverencia como todas las obras que rodean el rubí carmesí que es Acid Mothers Temple (curiosamente excluyendo las producciones solistas de su líder Makoto Kawabata, quien entiende sobre todo su tradición musical, su sentido geográfico y visceral).

Mucha cháchara

Bájalo ACÁ/HERE

domingo 29 de marzo de 2009

Extreme Music From Japan [1994] Japón


El Noise se merecía un compilado tan bueno como este. Hay Antologías, datos, videos acerca del noise, pero nada parecido a esta obra. Aparte es Japonés - dicen que los japoneses son inteligentes porque la tienen chica; por ende: los negros hacen Jazz [que no es para tontos - al contrario] Esta inteligencia se refleja en esta múisica extrema de Japón: Un abismo sonoro que va a dejar contento a tu mascota. En este disco te encontrarás con compositores del ruido tan importantes como Masonna [quien crea escenas polarizadas en su sonido], Merzbow [cuyo trabajo empezó con películas Bondgae] y What A Smell [ándate cabrito]. Imaginate a los 15 años, escuchando rap; tus idolos pueden ser Wu-Tang Clan, Snoop Dogg y Bustha Rhymes; de repente recibes un disco de Nach Scratch [que no sólo habla tu idioma, sino que no es pretencioso], o siguiendo el ejemplo: escuchas punk a los 15 años, alucinas con Fiskales Ad-Hok, Pennywise y 2 Minutos: te presentan a Buzzcocks; sigo el ejemplo: Escuchas metal y viajas con Deicide, Dark Funeral y Luciferion; te presentan Dorso [recuerda, no los conoces] Este compilado es lo mismo; al que le gusta el noise: lo va amar. Al que le molesta el ruido y composiciones alejadas del 4/4 buena onda: lo va a enfermar. Así que chicos, no se desesperen con los 40 segs que hace esperar Rapidshare: este disco hará que esperes 3 minutos =)

Baja un noise la zorra
ACÁ/ERE

jueves 26 de marzo de 2009

Seventh Sons - Raga [1964] Italia


Este es un gran disco, un disco de la avanzada humana por la libertad. Seventh Sons son una banda Italiana que lanzaron este único disco (totalmente improvisado, 4am At Frank's como versa el paréntesis de su único track "raga") bajo el sello ESP Disk que ha editado discos de Sun Ra, Albert Ayler, Paul Bley y toda una tracalada de músicos avant-garde que no tendrían hogar en otro sello más convencional. El disco acá es una bella mezcla de rock folk psicodélico, percusiones y cánticos hedónicos, todo iterado hasta el infinito como un gran mantra o drone épico, relatando las peripecias de las noches bajo los influjos lunares, cerca de cualquier playa libre y alejada. Raga, como su nombre sugiere, toma su influencia de ritmos etnicos y orientación oriental, pero asumiendo ese tono psicodelico propio de los 60's en una ciudad como, digamos, San Francisco o California. Un disco muy hippie, muy alegre, como una verdadera experiencia comunal para recordar que la raza aún existe. Sugiero llevar este disco en paseos soporificos y acalorados en micro o cuando disparen en automovil hacia un destino indeterminado fuera de la ciudad que los agobie. Raga es un puro track de 30 minutos lleno de bendición y alegría; muchos de ustedes, como yo, estarán felices (porque lo necesitamos, lo sé) de encontrar una pieza así.

PD: disculpen, no hay fotografía de la portada para este disco.
PD2: ni tampoco mucha información en la internet

Bájalo ACÁ/HERE

miércoles 25 de marzo de 2009

Pardons - Pardon! [2001]Japón

Pardons son un Duo, la "avanzada" cósmica de Acid Mothers Tempel. Son los invocadores, los nigromantes de la avalancha AMT, conocedores de lo oscuro, la mano a lo arcano, lo desconocido. Como todo proyecto arrancado del sello de Acid Mothers Temple cuentan con las participación en producción del ya nombrado acá Makoto Kawabata, para sofisticación y predica del sonido porvenir. Pardons son cósmicos, así de simple. Baños de bizarria sintetizada sobre el dark ambient preciso de la buena psicodelia. Tracks extensos y metamórficos, llenos de frecuencias extremas, reverb, implosiones y voces del otro lado. El disco es pa picarse la vena con Ketamina, nada más cerca que eso, ni la yerba o el LSD. Las imágenes del Dr. Thompson, terribles bebes marchitos y velludos hablándonos de nuestro "permiso" en el mundo, de paso por la existencia. Como los japoneses, este trabajo es verdaderamente electrónico, sin la presencia del "ambiente" a lo early Tangerine Dream, sus texturas son tan "ficticias" que se vuelven una experiencia literaria y narrativa, sci fi, del buen sci fi como Phillip K Dick; experiencia mística.

Irreconocible.

Bájalo ACÁ/HERE

Brothers Of The Occult Sisterhood - Lucifer's Bride [2006]


Conocí esta banda gracias a Andrés, y siento que es una de las bandas que más me ha hipnotizado esta semana; tienen sonidos que me transportan a una sociedad Pagana que no existe gracias al puto Teodosio. La guitarra le otorga un sonido muy parecido al Folk, el cello logra una oscuridad bastante agradable, los vientos acercan su sonido de a poco y le da una sensación nueva [por alguna razón está de moda el Post y el Neo... no el de Matrix, claro] y las percusiones dan paso a que la boda de Lucifer quede en suspenso. Al igual que Militia Christi, esta banda tiene muy poca información; a pesar de eso, su discografía es extensa y da gusto conocer bandas tan honestas como Brothers Of The Occult Sisterhood. Más allá que suene a un tema de alguna banda Insutrial o Indie-pop como Clap Your Hands And Say Yeah. Debo admitir que me he quedado dormido con este disco; será porque lo he escuchado de noche, con la luz apagada mientras pienso en el caótico 2013; pero ahora que lo escucho de tarde, puedo percibir esa misma oscuridad no pre-tenciosa y sin letras. En "Lucier's Bride" parece que queda la cagá, porque es la boda del señor Iluminado, y el sonido va progresando cada vez más, con notas extremadamente agudas, tanto que llegan a molestar: como se debe hacer.

Baja Lucifer's Bride ACÁ/HERE

martes 24 de marzo de 2009

Yma Sumac - Mambo! [1954] USA


Yma Sumac (Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo) fue una verdadera hija del cóndor latinoamericano. Presuntamente hija de dioses incas y peruana de nacimiento, entre sus atributos divinos está su maravilloso y exótico registro de 5 octavas que automaticamente la pone en el altar las sopranos superagudas (si recuerdan a diamanda galás verán su precendente inmediato en Yma). Su capacidades liricas son tan superiores que la fama no tardó en llegarle; fue raptada tempranamente de su madre patria (donde de niña imitaba el canto de los pájaros) y se pasió por todo el mundo como una avecilla exotica que fuera divisada a la distancia por su belleza y origenes latinoamericanos. Yma Sumac fue sumamente prolifera, registrando música desde temprana edad hasta el 2006, dos años de su fallecimiento el primero de novimiembre del año pasado. Su primer disco lo escuché gracias a Natalia mientras disparabamos por Colon hacia el centro en mi megane. Se llamaba "Shou Condor" (graciosa congruencia), y me dejó atónito. El control de su voz es tan impresionante que roza y se abalanza por el mero lirismo para crear una atmosfera y una sonoridad superior, facilmente catalogable de "avanzada" o free para su tiempo, tiempo de bop y big bands. Este disco, como su nombre sugiera, es su incursión en el mambo y los ritmos centroamericanos, con una instrumentación que recuerda las experimentaciones afro cubanas de Dizzie Gillespie, la trompeta dominante en todo momento y un ritmo semi bop, semi cool, full centroamericano que vuelve esta música una sabrosa experiencia. La voz de Yma destaca en todo momento, devorando las chirridos melodramaticos de las trompetas y haciendo de su elocuencia un artifice de los Dioses, traduciendo alaridos y gemidos y frequencias que parecen de otra dimensión, como si la voz de Yma fuese heredada para la comunicación de viejas inscripciones incas y el espiritu de un dorado Machu Picchu, totalmente out-there, indistinguible, dramatica y hermosa; Yma Sumac es sin lugar a dudas la voz más prodigiosa del siglo XX.

Bájalo ACÁ/HERE

lunes 23 de marzo de 2009

Sun Ra And His Myth Science Arkestra - Angels And Demons At Play / The Nubians Of Plutonia, 1956 - 1960, USA



Space is the place...space is the place...Sun Ra es definitivamente el gato negro más excéntrico y salvaje de la fauna avant-garde. Una mezcla entre Frank Zappa, el místico suizo Walter Wegmuller y Pharao Sanders y aún así resalta por su autonomía. Sun Ra tiene varios atributos, entre los más obvios están: el hecho de que clama haber sido abducido cuando la abducción no tenía precedentes en los Estados Unidos, su consecuencia a eliminar todo rastro de su biografía para reinventarla en un nacimiento interestelar que lo trajo a la tierra como mesías del Jazz, y su orientación ornamental que lo remonta a una moda new ager proto egipcia místico espacial. Todo sin el mínimo desmedro de única música también sin precedentes. Sun Ra es un astro del Free Jazz, una figura como un Neron, un Cristo o un Morrison, indelebles de la historia. Como todo free jazz su música es indescriptible. El disco que presento puede ser una aventura post bop nordafricana de la mejor escuela posible, y también puede acercarse al trabajo más spacy de Ra, sus marchas intergalacticas y libres que hicieron historia con Atlantis (un disco que deberían buscar). La música es reconocible pero al momento de calzarla se desliza y transforma en otra cosa, siempre una cita con otro tiempo y un redescubrimiento de las raices que nos anclan a los clanes de los hombres en los continentes de la tierra, una historia más profunda y epica que es sorprendetemente narrativa (una característica no tan afin con el genero libre) y sorprendentemente revitalizadora de los generos más antiguos del jazz, la big band, la fanfarrea libertina, el bop y su relación dramática, el free y su colindancia con la batalla racial; un disco que, como dice Cortázar de la novela, debe (lo hace) contenerlo todo.

Bájalo ACÁ/HERE

jueves 19 de marzo de 2009

sobre los post / about the comments

Al parece hay un numero constante de visitas en Anadiomena. Agradeceríamos, como equipo, los comentarios respectivos sobre cualquier cosa que ustedes quieran: sobre los discos que subimos, futuras peticiones, discusiones musicales, etc. Esto facilitará nuestra tarea ya que impulsará nuestro deseo de cumplir con aquellos que visitan este blog. Así que ¡VAMOS! dejen su comentario!!!!

There seems to be a constant number of visitors to our blog. We'll be thankfull, as a team, if you commented on any topic you'd like, about the records we upload, musical discusions, petitions, etc..This will make our job easier cause it will launch our will to fulfill your requests. So ¡COME ON! LEAVE YOUR COMMENT!

Anadiomena.

Damo Suzuki's Network - Hollyaris [2005] Alemania ??


Damo Suzuki fue el segundo vocalista de Can, con el que debutaron el el magnifico out-there krautrock spectacular spectacular Tago Mago, considerado por algunos como el mejor disco Krautrock de todos los tiempos (una exageración si me preguntan a mi). De todas formas, Suzuki ayudó a darle a Can esa atmosfera libertina y jocosa de la que se caracterizan: un japones salvaje, de larga caballera y patas de elefante que lanzaba alaridos levemente fuera de tono como un evangelico furioso para predica de la psicodelia. El disco que presento corresponde a su trabajo como solista (si se le puede llamar así ya que contribuyen más de 10 músicos distintos) y es bastante parecido a Can: baterias complejas pero de tempo monótono, variaciones sutiles en la melodías y una combinación notable de estilos, desde reggae a rock psicodelico pasando por el kosmische musique y el space rock; tema a tema recorriendo toda la influencia de Suzuki y la gran avalancha de estilos que cultivaron los alemanes durante los 70's. Hollyaris es una buena forma de retomar la melancolia que aquellos discos de Can despiertan hoy en día, con un Suzuki mucho más pulcro en la voz y una instrumentación más compleja y, si me atrevo a decirlo, más interesante. Can puede resultar un poco lineal para aquellos adoradores del genero progresivo; Hollyaris mantiene el espiritu del otrora Can siendo fiel al eclecticismo de nuestros días.

Baja el CD1 ACÁ/HERE
Baja el CD2 ACÁ/HERE

miércoles 18 de marzo de 2009

San Ul Lim [1977 - 1991] Korea

[Rock Psicodélico koreano]

Esta banda la conocí gracias al hermano de Javiera; y fue chistoso, porque subí un disco de Rock Turco, dándole créditos a ella; siendo que era de su hermano. Raro. Más que hablar de este trio Koreano, recomiendo escuchar el compilado que está abajo; debido a que es un recorrido perfecto a lo que es la banda en sí. Muchas veces me recuerdan a Big Sleep e incluso a Kaputter Hamster [y no creo que porque esté rayando en mala con esas bandas, sino que el sonido se asemeja bastante] Ya no me impresiona Deep Purple: estos Koreanos hacen un tema de 18 minutos que no aburre [You Are Already Me]

Lo que más me llamó la atención es que los títulos de sus canciones están en inglés, pero cantan en Koreano; no es raro [Patton raya con lo Italiano y Robbie Williams tiene temas en Español] pero lo encuentro cómico. San Ul Lim: GRAN DEsconocida banda.

San Ul Lim [Dragon Records Compilation]
http://www.megaupload.com/?d=KR90L2X4

San Ul Lim - Oh, Already, Vol. 1 [1977]
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San Ul Lim - Laying Silks and Satins on my Heart, Vol. 2 [1978]
http://sharebee.com/ed5af879

San Ul Lim - 1978 My Heart, Vol. 3 [1978]
http://sharebee.com/51faac14

San Ul Lim - Express Train, Vol.4 [1979]
http://sharebee.com/78df0754

San Ul Lim - Hourglass in the Afternoon, Vol.5 [1979]
http://sharebee.com/c460993b

San Ul Lim - Wait a Little, Vol.6 [1980]
http://sharebee.com/9131a372

San Ul Lim - Don't Go, Vol.7 [1981]
http://sharebee.com/58a49053

San Ul Lim - Fly, Bird, Vol.8 [1982]
http://sharebee.com/977ff670

San Ul Lim - I'd Like to Remember You With a Smiling Face, Vol.9 [1983]
http://sharebee.com/73532981

San Ul Lim - Your Meaning, Vol.10 [1984]
http://sharebee.com/308a7894

San Ul Lim - Will It Rain The Day You Leave, Vol.11 [1986]
http://sharebee.com/db9c1bda

San Ul Lim - Dreaming Park, Vol.12 [1991]

domingo 8 de marzo de 2009

Makoto Kawabata - I'm In Your Inner Most [2001] Japón


Makoto Kawabata es el miembro fundador de la comunidad neo-hippie japonesa de cuyos anales surgiría Acid Mothers Temple, unas de las bandas quintaescenciales del space rock, herencia del Krautrock y la psicoldeía de los 60 y 70's. AMT se caracterizan por un sonido sucio, desgarrador, cruzado por sintetizadores espaciales y freakouts, acid guitars en un avance interminable hacia la lisergia que habita afuera en lo OTRO, temas de larga duración donde es muy dificil distinguir la instrumentación porque el sonido se funde en una sola marea ruidosa y vertiginosa (recordando a los Boredoms o Amboss de Ash Ra Tempel, de donde AMT toma su glorioso nombre). Se ha visto a Makoto junto a Haino (otro de los miticos guitarristas japoneses) creando las más explosivas secuencias noiser, avant y acompañando a diversos músicos de la era post psicodelia japonesa y europea. Su trabajo en solitario, sin embargo, está cargado de una sutileza propia de la herencia cultural oriental (el haikú, el mantra, la sobriedad). El disco que presento ahora es una interpretación meditacional basada en el uso de drones e iteraciones hipnoticas que refuerzan el ambiente cosmico, espacial y etereo al que la psicodelia buscaba empujarnos para nuestra reflexión social y personal. I'm in your inner most, el titulo sugiere un voyage hacia el centro, habitaculos cristalinos y misterios dentro de la psiquis humana, profundo en nosotros Makoto extrae un sonido propicio de lo inexplorado, y lo inexplorado es el hombre que se ha esmerado en emular la naturaleza sin entender su propio origen, mitificandolo, volviendolo literatura absurda, religiosa y vulgar. Esta música busca ser una experiencia, se recomienda el uso de audifonos y psicotropicos, soledad o masturbación; es una verdadera pieza sutil y sugerente llena de ideas, metaforas y sensaciones que se gatillan en cada acorde debajo de un zumbido interminable como la prueba de una explicación más allá de nosotros, el viaje por el agujero de gusano que consagre nuestra humanidad con el espacio que le rodea.

Bájalo ACÁ/HERE


viernes 6 de marzo de 2009

Zos Kia & Coil - Transparent [1983] Inglaterra

[Noise, Experimental]

A pedido de Tooky, les entrego este disco; más oscuro que la conchelazorra. Se cagan en la relación marioneta; no hay misóginos sino respeto mutuo: eso genera este disco. Si no se entiende que la vida es un desierto sin la persona que amas: púdrete en tu virginidad anal y escucha bandas mamonas, porque esta obra te va a romper el himen con un sacacorchos cubierto de smegma. Sugiero que se escuche con la luz apagada, sin la tele en mute y con audífonos ¿Porqué?: Es desagradable. No quiero dar cátedra del noise, aún así: este disco es para escucharlo acompañado con un buen vino o una cerveza macanuda; acostado en tu cama, con audífonos o follando: las tres opciones son víables a un placer que se aleja de la euforia que se logra con Simple Red. Coil ha trabajado con Whitehouse, pero reconozco que me gusta más este trabajo con Zos Kia; por sus samplers, sus gritos y sobretodo por la canción "Rape" donde uno se imagina que se están violando a Björk con toda la agresividad que se merece.

Este disco perturba a un niño de 5 años, excita a quien está bajo los efectos de alguna droga peligrosa y sobretodo, incomoda a quien sufra de retención anal o tenga una frigidez momentanea, de esas que huelen a "cambia esta hueá, porfa". Coil y Zos Kia: Que no se olviden para el 2013.




Baja Transparent ACÁ/HERE

sábado 28 de febrero de 2009

Fulano - El Infierno De Los Payasos [1993] Chile

[Jazz Fusión]

Escribir acerca de Fulano da lata: ya cuentan con artículos en internet. Mejor hablo del disco, y elegí este por una sola razón: es el que más encuentro parecido a Disco Volante de Mr. Bungle. Las letras contienen mucha ironía y humor bizarro; tomo como ejemplo "Basura" y "Morbosadoquista". La música tiene una variedad de sonidos y cambios de ritmo, que dan un toque humorístico a la exquisita voz de la mina que canta.



Baja El Infierno De Los Payasos ACÁ/HERE

lunes 16 de febrero de 2009

Love, Peace & Poetry - Turkish Psychedelic Music [2005] Turquía

[Rock Psicodélico]

Este disco lo conocí gracias a Javiera, una persona que conocí en Soulseek. Es un compilado de música psicodélica Turka, y realmente considero que es uno de los mejores descubrimientos que he hecho hasta el momento. 15 bandas de Turquía, que logran ejecutar una música realmente psicodélica: un perfecto regalo en estos días de smog y stress. Lo mejor de todo esto fue que lo descubrí hoy, hace unas 7 horas atrás, lo he escuchado cuatro veces seguidas y no me aburre. Muchas veces, los intros parecieran un tema de Black Sabbath que dan cabida a un ambiente bastante agradable [muchas veces chistoso] Los finales de algunos temas parecen un ritual Argentino con su tango [hablo del famoso: TAN-TAN!] Y fuera de pretensión melómana: se puede escuchar en cualquier momento; en una orgía post-carrete o en un viaje al sur o al norte.

Este disco requiere que uno esté tendido en una cama: sólo, con una fémina, como usted quiera compadre.



Baja Love, Peace & Poetry ACÁ/HERE

domingo 15 de febrero de 2009

Ordo Rosarius Equilibrio - Cocktails, Carnage, Crucifixion And Pornography [2003] Suecia


[Dark-Folk]

No es coincidencia que Tomas Petterson mezcle el Satanismo con fuertes influencias de Death In June. Este proyecto ha dado vida 7 discos bien pareados y un Split con Spiritual Front. En los 4 primeros discos, Petterson trabajó con una mina llamada Chelsea Krook, pero como nada es para siempre, esta mina se va un ratito a la conchesumadre y en el 2001 la reemplaza Rose-Marie Larsen; editando los discos posteriores; de los que elegí este por una razón muy sencilla: sus letras... ¡Puta las letras buenas! Es más, se nota un fuerte fetichismo por la pornografía y sadomasoquismo; no sólo en las confesiones de Petterson, sino que en los samplers, efectos y un sonido Neofolk que muchas veces se parece a Pazuzu. Es más, hay temas que logran mezclar el sonido de un bandoleón con sonidos de espadas y confesiones sádicas; logrando que Gardel se revuelque en su tumba. También tienen ese coraje de relacionar lo Luciferino con lo sexual, creando ambientes de un verdadero infierno que huele a diversión y placer neo-hippie.

Este disco no te deja indiferente y son de esas obras que requieren concentración para una buena experiencia ritualista, oscura o como se quiera llamar: el disco es la zorra.



Baja Cocktails, Carnage, Crucifixion And Pornography ACÁ/HERE

martes 10 de febrero de 2009

TOC - No Se Confunda, Compadre [2009] Chile

[Post-Bon-Jovi]

[comentario hecho por Osonico: fundador de Sordera Crónica]

"TOC es un proyecto sonoro que viaja entre un humor sumamente inteligente [aunque a simple vista no lo parezca] y criticas hacia ciertos costumbrismos adolescentes, que a mas de alguno le dará dolor de cabeza o como diría Ricardo Iturrieta: diarrea con sangre.

No Se Confunda, Compadre es el quinto disco de este proyecto del averno, el cual no intenta imponer ningún estilo, ni menos agradar a alguien con oídos de cristal. Es un disco al cual hay que tenerle paciencia, ya que sus 54 tracks pueden acabar agotando a cualquiera. Esto no quiere decir que sea un mal disco, sino que hay tanta estupidez contenida que llega a marearte de tanta risa que te da. Es un disco que se mueve entre programas de radioteatro; que incluso al día de hoy censurarían por su lenguaje de protesta y no necesariamente por su lenguaje obsceno, y a su vez; entre canciones que rondan los mas variados estilos, eso si centrándose mas en la electrónica y en el industrial, las cuales van cargadas con populosos samplers que harían morir de la risa al propio cura Hasbun.

“No Se Confunda, Compadre” es un experimento que va mas a la sensación del lenguaje, que a una cosa mas musical, algo que por estos días no se da mucho, así que no se confunda… compadre.



Baja No Se Confunda, Compadre ACÁ/HERE

domingo 1 de febrero de 2009

V.A - Nymphomania: A Collection Of Sexy European Gogo Music From The 60's [vol. I, II & III]

En Febrero muchos se van a vacaciones, otros vuelven y hay quienes ni siquiera tienen y ocupan su tiempo en subir discos. Para este tres tipos de personas, les dejo estos compilados de música Go-go o música "prohibida" en los años 60; por su contenido erótico y obsceno en esos tiempos. Estaba pensando en publicar a Luis Miguel, luego a Nubeluz pero después me dije: "Hueón, se supone que este blog no es chacota: manten la seriedad" En espera que Gurowner vuelva de sus vacaciones, los dejo con esta ninfomanía erótica y muchas veces ridícula.

Baja Nymphomania Vol. I ACÁ/HERE
Baja Nymphomania Vol. II ACÁ/HERE
Baja Nymphomania Vol. III ACÁ/HERE

viernes 30 de enero de 2009

Throbbing Gristle [1975] Inglaterra

A ver, estos hueónes se separan en el 81, el vocalista Genesis P-Orrifge y Peter Christopherson forman Psychic Tv, Christopherson conoce a John Balance y forman Coil. Así que: gracias al transexual de Genesis existe Coil.

A pedido de Xavier [supongo que te llamas Javier, pero tu X te da identidad] publico esta banda que no conozco. Por eso, le doy crédito al camaleón pirata de Gurowner. Él sube discos de manera muy amable, cordial y sin ninguna intención de insultar a nadie; a su vez, tiene un blog de discos que, obviamente, no los sube él; es decir: es un fascista.

Thobbing Gristle - Best Of... Vol. I [1976]
Lado A
Lado B

miércoles 21 de enero de 2009

Einstürzende Neubauten - Zeichnungen Des Patienten [1983] Alemania



[Noise / Industrial]

La primera imagen que tengo de esta banda es haber visto a Rolando Ramos, presentándolos en el programa Viva La Revolución; como en el año 1996. Todo el escenario estaba oscuro y cuando el vocalista gritaba con un megáfono se encendía una pequeña luz blanca. Zeichnungen Des Patienten es un disco que no puede faltar en la colección de alguien que le gusta esta música, que aunque queramos creer que es rara o contra la estructura; no deja de ser Industrial. Los samplers, voces paneadas, gritos, sonidos de fierros y relojes dan un ambiente bastante insoportable para quienes no esán acostumbrados a esta música; pero sé que a muchos les llamará la atención la cantidad de estrategias y manipulaciones sonoras que utiliza esta banda. Hace cinco años atrás tenía un concepto errado de esta banda; era algo parecido a: "Hacen música improvisando ruidos y hablando por un megáfono" Tan minimalista como grabar un sarten friendo un huevo mientras se raspa una olla con arroz quemado; pero No: Einstürzende Neubauten crean un ambiente que pocas bandas logran. Su oscuridad es de un minimalismo de la san puta; acá me hace sentido la frase "Menos es más" y estos Alemanes hacen eso. No adornan sino que destruyen, pero de una manera sutil; en este punto, se alejan de Merzbow o Whitehouse: que tiran toda la carne a la parrilla; a estos hueónes no les gusta eso, sino que invocan la intriga, son capaces de contar una historia sin abusar del cambio abrupto.

Debo confesar que me costó elegir el disco para presentar la banda, debido a que son muchos; primero era Kollaps, luego Halber Mensch, pero algo me dice que esta es la obra perfecta para presentarlos de una vez por todas; sin dedo con vaselina, sino que violación total: al que le guste este disco, amará los demás que publicaré posteriormente. Con ustedes: Einstürzende Neubauten.



Baja Zeichnungen Des Patienten ACÁ/HERE

jueves 15 de enero de 2009

Afrodita - La Reina Del Palenke [2008] Méjico


[Electro-Kitsch]

Esta banda es de Méjico, la conocí hace tres semanas y consideré publicar este disco por su variedad de estilos que tiene. Pasan de una burla a Tom Waits a un EBM [Electro Body Music] bastante irónico. Afrodita es un proyecto compuesto por Karin Burnett e Imannuel Miralda, los dos están en sus años treinta y tienen un fetiche con la Vírgen de Guadalupe. Saben llevar la escencia Kitsch a sus temas, artwork y perfomance; mezclando lo Griego y Azteca de manera futurista.

Afrodita es algo parecido a Lulu Jam pero sin ese japonés de mierda. Me terminé convenciendo que las letras son de lo más sarcástico que he escuchado; más que Café Tacuba o Molotov. La Reina Del Palenke pasa por la cumbia, reggaeton y una electrónica que dan ganas de escucharlo al lado de una Milf que atrapa a Jesús con sus tetas caídas.

El disco es la zorra, se convirtió en mi fetiche musical del 2009, bájenlo y escuchenlo con toda la fe que le tienen a su smegma.







Baja La Reina Del Palenke ACÁ/HERE

domingo 11 de enero de 2009

KK-Urbana [1989] Chile


[Punk]

Si hay una banda Punk Chilena que encuentro la zorra: es KK-Urbana. ¿Porqué?: porque ya no existen, nunca sonaron en la radio y porque muy poca gente los conoce; esa es la intención de publicarlos. El disco se grabó en el 89, y luego se reeditó con 3 bandas más [Caos, Anarkía y 8 Bolas] e hicieron un compilado llamado: "Clásicos del Punk Chileno".

Las letras son políticas, pero con un sentido del humor que no se encuentra en Fiskales Ad-Hok ni en ninguna banda Punk que tenga parche en Eurocentro.






Descarga KK-Urbana ACÁ/HERE

domingo 4 de enero de 2009

Coil & Whitehouse - Satin Chikens [2000] Inglaterra


Primer disco que se sube este 2009 ¿Y qué mejor que juntar a dos íconos del Noise y todo lo que respecta a la experimentción? Este disco se lo pillé a Gurowner de Soulseek y dije: "Conchesumadre, no puedo creer esta hueá: Coil y Whitehouse en un sólo disco?" Y no se trata de un split, sino que tal como lo lee: Juntos [Café para dos, parece mucho más que un día - El hueón Kitsch quizá entienda la talla]

Se fusionan guitarras, sonidos electrónicos, loops y samplers que sólo estas dos grandes bandas: "la saben hacer" No aburre, no huele a guano darki al peo; sino que logra un ambiente oscurísimo. Es más, y con esto termino; mi vieja entró a la pieza como a los 2 minutos del primer tema y me dijo: "¿Estay escuchando al Pato Donald? Ehm, pa que vean que esto de preguntar hueás tontas viene de familia.



Baja Satin Chickens ACÁ/HERE

domingo 28 de diciembre de 2008

Políticos Muertos [1997] Chile

[Punk-Rock]

Este es otro disco que compré en el Persa cuando era pendejo y que hizo las delicias de mi adolescencia. Lamentablemente, cuando mi vieja tiró a la calle toda mi ropa de punky, mi adorado poster de Robert Crumb, mis croqueras con comics y algunos cassetes, se perdió la carátula original, pero el disco sigue estando en mi habitación y es uno de mis grandes tesoros.

Como dice arriba, es un álbum de 1997, pero en realidad muchos de estos temas son nuevas versiones de sus originales del '89, ya que ese fue el año en que lanzaron el demo. Este disco homónimo fue producido por la CFA, o Corporación Fonográfica Autónoma, que ha puesto al MERCADO bandas como Vadka, Fiskales, etc...

Les aviso que esta es mi banda favorita de punk chileno, sobre todo temas como "Canción de máscaras / Postal de una raza" y "Triángulo maldito". Cuando las escuchen se van a dar cuenta de que este disco no corresponde al estereotipo de cualquier weón con un mohikano cantándole a sus vómitos y borracheras. La instrumentalización y las letras son realmente interesantes, aunque en este último punto debemos aclarar: hay algunas pistas como "A primera vista" y "Dios te ama" son canciones de los Dead Kennedys traducidas al castellano e interpretadas con otra melodía (Police Truck y Moral Mayority, respectivamente).

De cualquier forma, esto no hace que el disco sea malo. Nunca había escuchado punk-rock en que se utilizaran instrumentos mapuche o percusión de tipo tribal con tanta imaginación. El arte de la carátula es un plus, y está escaneado junto a los tracks de mp3.

Ah, y el dato freak: Parece que alguna vez este disco venía con la suscripción al Clinic. Lo que sí recuerdo bien es que también estaba "La danza de los lobos" de "Entrecalles".

Y como siempre digo, ¿qué mierda sacan con seguir leyendo lo que escribo? ¡Bajen el disco y comenten!

01. Intro
02. Burócratas Corruptos / Sin Alternativas
03. Náusea
04. Canción de Máscaras / Postal de una Raza
05. Tarde de perros
06. Juego de Patriotas
07. Dios te Ama
08. A Primera Vista
09. Bolera
10. Triángulo Maldito
11. Al Matadero (Bonus track)
12. Muerto (Bonus track)

Baja Políticos Muertos - ST ACÁ/HERE


PD: Agradecimientos al usuario "Anarcopunk" de Chilewarez y al blog "Caldoecaezas", ya que sin ellos tendría que darme la paja de subir este disco desde el k7 a mi querido PC con Linux para poder compartirlo.

viernes 26 de diciembre de 2008

Adachi Tomomi Royal Chorus [2003] Japón


[Teatro corístico / Punk a capella]

Adachi Tomomi es un Luthier Japonés, hiperquinético en todo sentido; poeta, filósofo y ha participado con artistas de esa vanguardia que tanto nos gusta, entre ellos Butch Morris y John Zorn; es más, este disco es del sello Tzadik [John Zorn]. Yo, es un disco que puede parecer una chacota absurda, pero se trata de un grupo de 8 personas que hacen teatro a través del coro; practicando técnicas empleadas del siglo XVIII por Carlo Gesualdo; hablo del Madrigalismo, que es cuando una misma estrofa o palabra se repite de manera constante en tiempos desfasados. Y se logran atmosferas como el Crossover de D.R.I y sólo con voces. Mejor que el disco hable por mí y disfruten esta maravilla de disco.

Baja Yo ACÁ/HERE


domingo 21 de diciembre de 2008

Fantômas - Delirium Cordia (2003) EE.UU


El socialismo no tiene que ser erudito ni cabrón: hay que compartirlo, valga la redundancia: sociabilizarlo. Ni la risa hueóna puede callar este disco, y puta que es la zorra. ¿Porqué es la zorra? Veamos:

1. Empieza con el sonido de un vinilo, siendo frotado con la aguja del tocadisco.
2. Es un sólo track de 74 minutos
3. Tiene cambios absolutamente impredescibles.

Delirium Cordia tiene un arco dramático increible, es tan la zorra que dura poco; cada tensión dura menos de un minuto; se puede traducir a escenas de 30 segundos, y escenas de puta made. Puta, este disco es para violarselo con un alicate; de hecho, podría ser el soundtrack de una película de David Lynch. Es de una oscuridad que no se puede explicar sin un vino y la luz apagada. Me gusta tanto este disco que no me dan ganas de hablar de él, pero sí de compartirlo. Fantômas es una banda esdrújula: se pronuncia la primera sílaba [como decir básica] pero tiene acento en la O. Eso quizá hace que uno se vuelva un semántico culiao, pero puta, es así. Delirium Cordia tiene ambientes exquisitos, muy parecidos a tomar un vino en la noche; esos que se parecen a Bohren & Club Of Gore [proximamente, lo subirá Gurowner]

Lo confieso: es mi disco favorito de Fantômas, pero no el que escucho en el metro o en la micro; me gusta tanto que es personal, no lo comento mucho y me quedo con el singlero Director's Cut o quizá un Amenaza Al Mundo, pero Delirium Cordia es para escucharlo solo o con tu pareja. es el único disco que cuando se escucha por primera vez se puede decir: "Puta, este disco es pajero, pero igual está raro". Ehm, si, es la zorra; pero te tiene que gustar mucho la volá de Mike Patton y compañía [Lombardo,Osbourne y Dunn] para que lo digieras bien. A ver, es como fumar White Widow; Empezai por el paragua, luego por la cannabis, de ahi por otras plantas alucinógenas, HASTA llegar a una psicodelia que se entiende con paciencia y quizá con una ética que te hace controlar impulsos hueones. Esos impulsos hueones de querer romper un paradero escuchando Kreator; a eso me refiero. Delirium Cordia transmite cambios demasiado abruptos, es un vinilo que me gustaría tener en mi colección, un track que no se puede adelantar sin Adobe Audition o cualquier programa de edición, es EL disco; si no te gusta: vete [antes que yo - uy, me gusta Lucybell].


Lo último, si se tiene sexo con este disco: use velas para el sadomasoquismo posterior. Porque escucharlo solo, te puede afectar la líbido o dejarte dormido. Despertar con resaca, a lo buen Chileno: "con el hachazo" y escuchar el final del disco, con samplers culiaos de Iglesias, decí "¿Qué hueá estoy escuchando?" Como buen informe o ensayo, todo se tiene que terminar "bien", pero este no es el caso, así que les recomiendo este disco. PICO.

Baja Delirium Cordia ACÁ/HERE

miércoles 17 de diciembre de 2008

ZeN - Bakırköy Akıl Hastanesi'nde (1999) Turquía



[Rock Neo-Psicodelico Turco]

Turquia tiene una tradición más que interesante en esto del Rock And Roll más libre; pensemos en no sólo el legendario Erkin Koray, sino en otro sin fin de joyas psicodélicas de antaño como Moğallar, Yabancilar, Erkut Taçkin, Koray Oktay entre otras joyas dignas de rescatar -recomiendo la compilacion Hava Narghile. Y bueno, ZeN son los hijos gloriosos de esa "tradición caotica". Este disco, de 1999, es un fluir psicodélico, cargado de las intensas armonias propias de Turquia, pero inmersas en un juego sonico y surrealista. Este disco tiene ese tipo de dinámicas que sólo la música improvizada puede lograr, como unos Can de medio oriente, llenos de ritmo, mística y creatividad. Ojo que esto no es otra más de esas típicas bandas de Rock improvisado autocomplacientes. Estos tipos logran mantener la fuerza todo el rato, de una manera a la vez natural e intensa... Todo sobre la base del feeling turco, y de los desvaríos psicodélicos (ojo con el uso del agua como instrumento musical). Único e imperdible.

Descargue este disco que es a toda raja ACÁ/HERE

martes 16 de diciembre de 2008

Som Imaginario – Som Imaginario (1971) Brasil



[Psicodelia Eclectica]

Creo que en psicodelia sudamericana, hay un pueblo que tiene un valor indiscutible en cantidad y calidad de desquicios Rock y Pop en los sesenta y setenta: Brasil, y principalmente su tropicalia. Lo extraño es que solo los Os Mutantes tienen un prestigio, que tantos otros también merecen - Tribo o Modulo 1000. Por eso decidí subir este discazo de los subvalorados Som Imaginario. Esta banda partio apoyando a Milton Nacimiento, para luego tomar rumbo propio en una melódica y libre aventura psicodélica, que con el tiempo se solidificó en un progresivo bastante particular. Con un sonido que abarca desde ritmos típicos de Brasil, al Jazz, la Vanguardia y obviamente la psicodelia Británica - Beatles y Pink Floyd - Som Imaginario sacó tres discos; dos homónimos con un caracter mas psicodélico y pop, para desintegrarse tras la salida de "Matanca do porco", un disco instrumental de una caracter mas progresivo y sinfonico. Los imaginativos fueron entre otros Naná Vasconcelos, Robertinho Silva, José Rodrix, Toninho Horta, Wagner Tiso, Tavito and Marco Antônio Araújo. Este es el segundo disco de Som Imaginario, que como ya hemos dicho, extrañamente, al igual que el primero, es homónimo. En este disco dejan atrás el sonido más claramente Brasileño del primer disco, y se embarcan en un sonido a la vez rockero como melódico, pero siempre dando espacios a extrañas deformidades… al nivel de un “The Piper at the gates of dawn”, pero con el saborcito tribal del amazonas. Es ese tipo de discos que tienen ese carisma único de los setentas más rebelde y lisérgico, y que tan particularmente emana ese anarquismo sabroso que fue la tropicalia en sus primeros días.

Altamente recomendable. Es extasiante como pasan de la luz a la oscuridad, y de la estructura al caos, del groove -bossa nova, swing, blues, etc- a la densidad, de manera tan natural y carismática.


bajar disco culiao la zorra ACÁ/HERE

viernes 12 de diciembre de 2008

Glenn Branca - The Ascension [1981] EE.UU


[Rock Microtonal]

En un carrete, una persona dijo: "El Grounge existe gracias a los Sonic Youth" En ese momento, tenía que sacarlo de su error, y fue así, quedando en buena. Si hay motivo por el que existe el Grounge es el señor Glenn Branca. Su historia musical se asemeja a la de Frank Zappa o David Bowie: es interminable. Pero intentemoslo. Tocó guitarra desde los 15. Se fue a Boston en los 70's se unió a un grupo de teatro Experimental llamado The Bastard Theater donde compuso música para dos obras. Formó la banda Theoretical Girls, The Static,
Guitar Trio; acá comenzó a hacer participe su voz. Finalmente forma el Glenn Branca Ensemble, compuesto por cuatro guitarras, un bajo y dos percusionistas; después, el número de guitarras aumenta a ocho; donde participaron músicos como Lee Ranaldo con Thurston Moore [Sonic Youth] y miembros de la banda Helmet. The Ascension tiene tantos cambios en cada track, que podría pasar como un compilado Avant Garde o de Droning. Crea un ambiente violento y repetitivo, pero como los sonidos van creciendo cada vez más, no es una redundancia molesta ni aburrida; es más, el sello de este disco es lo que hace Jackson Pollock con su Dripping: confunde, juega contigo, te deja inconforme y a la vez te impacta. Hay partes que se parecen al White Light/White Heat de los Velvet Underground, como si estuvierai andando en metro a toda velocidad, sin parar en ninguna estación. Con esta obra nos enfrentamos a un precioso sound-collage que te hace decir: "Puta que es la zorra Glenn Branca"

Su trabajo ha pasado por varias etapas [de ahi el parentesco con Bowie: los cambios, no la música], desde el No-Wave con Theorical Girls, a componer sinfonías microtonales, gracias a las habilidades de Luthier; muy parecido a lo que hace Robert Fripp. Este disco no es el MEJOR de Branca, aún así, no sé cuál será el mejor; eso es como decidir cual es la mejor película de Kubrick: son muchas y a la vez tan distintas, que todas tienen su sello. Aún así, considero que este disco es el más digerible de escuchar, a la hora de conocer a Branca, ya que ocupa la técnica del Droning y sus sonidos microtonales. Cito a Alberto Parra: "Es por eso que sus temas Rock parecen avances infinitos hacia un punto indeterminado".

Como dice Gurowner; el dato freak de Branca es que
John Cage [publicado acá] declaró que la música de Glenn Branca "es fascista"; será por sus cacofonías, sonidos microtonales o porque derivó del No-Wave a componer sinfonías clásicas a lo Wagner. Lo último, Glenn Branca terminó haciendo sinfonías para 100 guitarras. Viejo, ¡100 guitarras! Imaginense eso. Así que si creen que Sonic Youth o The Beatles "lo hicieron todo" y que son los padres de Grounge o del Noise; métanse a Efukt.com e imiten al hueón de "1 guy 1 cup"



Baja The Ascencion ACÁ/HERE

miércoles 10 de diciembre de 2008

Cultus Sanguine - The Sum Of All Fears [1999] Italia


[Doom Metal]

Italia, país de herejías y olvidos. Con ella me quiero casar y quizá follar su bandera. De acá nace Cultus Sanguine, cuya función es confundirte. No de sexualidad; si estás pensando ir a Blondie a escuchar esta banda: Olvídalo. Uno se encuentra con un ambiente Doom Metal bastante digerible; guitarras muy a lo Dark Tranquillity, lamentos que subrayan la agonía actuada. Esta hueá es la zorra [limpia y rapada], de esas que no huelen mal; se podría traducir a una zorra higiénica. Y Cultus Sanguine nos deja esa sensación de higiene hereje, algo limpio y exquisito de conocer; no viene con rodeos pero tampoco se entrega fácil. The Sum Of All Fears es una joya que descubrí hace 6 años, gracias a una mujer mitómana que destrozó mi ilusión; ahora no me considero iluso, por ende: cada día más ateo.

Esta banda me hace creer en el vampirismo, muy alejado de Stolker; uno que dan ganas de follar con una cruz y rezando el padre nuestro. Sus sonidos son sado-masoquistas y tientan al canibalismo sexual; ese que no pide perdón, del que no se arrepiente si hay un pedazo de carne en tu boca, y que cuando lo escupes para no tragarlo; te dan más ganas de morder esa piel llena de sangre y transpiración salada. La suma de todos los miedos es un "date cuenta" o simplemente una "patá en la raja" al chico Eurocentro que se caga de calor a las 4pm; y a ese chico le hace falta experimentar el canibalismo, una receta de que lo oscuro no viene en un abrigo ni en bototos con sangre. Cultus Sanguine son quienes no tienen arcadas de hacer un cover a Depeche Mode ni juntarse con Seth, sino que al contrario: aperran en buena para crear un ambiente maligno. Eso, lo descubrirán pronto.

Baja The Sum Of All Fears ACÁ/HERE

lunes 8 de diciembre de 2008

Splodgenessabounds - I don't know [2000]


[Punk Pathetique]

Este lo tengo en K7*.

Hace 8 años, iba por el Persa y le pregunté al gordo punketa que tenía un puesto de discos por una banda realmente buena, que no sea lo mismo que ya llevaba escuchando desde que aprendí que la música no es solo la mierda que dan por TV. Pagué la luca, me entregó el producto, lo llevé a mi casa y, empecé a alucinar pesado... Tirado en el piso con baba en la comisura de los labios y retorcijones musculares. Me gustó.

Si crees que el punk es repetir todo el rato las mismas notas y los mismos gritos, voy a discrepar. Esta verdadera obra de arte que presentamos aquí desmiente el punto. No tan solo la variedad musical, en que el saxo tiene un lugar privilegiado en ciertos temas, o la creatividad a la hora de ejecutar de esta banda son prueba de que no cae en los típicos clichés del género... Hay que escucharla con calma, cada detalle importa. Lo que más me agradó fue la puesta en escena de “pico con la weá, me paro con mis amigos frente al escenario cagado de la risa y lo paso bien. Estoy borracho, ¿y tú?. Sabes, me aburrí de putear a los pacos. ¡Cantemos sobre los mongoles!”.

Cuando hablamos de bandas como Peter & the Test Tube Babies o Splodgenessabounds, nos referimos a una época y corriente única en el punk británico que surgió y tomó fuerza entre el 80 y el 83. Este estilo, proclamado “Punk Pathetique” o “Punk Patético”, era una especie de “OI!” bastante experimental, aunque no lo encasillemos de esta forma. Consistía en letras ridículas, burlescas y absurdas. Según la FUENTE DE LA VERDAD ABSOLUTA que es Wikipedia, incluye temas humorísticos de clase obrera. No esperes aquí a un cabeza rapada gritando a los cuatro vientos “mata a un nazi y a mearle encima o vicerversa”, porque no lo encontrarás. Más bien: “dame una chela y unas papas fritas”, o “se me metió el calcetín dentro del zapato”. No vengamos con cosas, es igual de imbécil el concepto, pero por lo menos aquí no hay un intento psicótico por salvar a la humanidad, sino por hacer reír, y eso es proporcionar un bien a la hora de escuchar este tipo de albumes.

Para finalizar, resumo simplemente en que es una creación muy entretenida y original. Como siempre cabe agregar un dato freak, por ahí leí que Mick Jagger participa en un par de temas. No me pregunten qué es lo que hace porque la verdad, no me interesa.


*Cassete, para los que no cacharon.

Descarga I don't know ACÁ/HERE

Birth Control - Birth Control [1969] Alemania

[Krautrock]

Banda formada en Berlín en el año 1968. El significado del nombre lo sé gracias a una converzación que tuve con Eduardo Ponce, y se refiere al "Control de Natalidad" o a los Anti-conceptivos. Este es el primer album de Birth Control, con la formación original de Reinhold Sobotta en el órgano, Bernd Koschmidder en bajo, Klaus Orso y Reiner Borchert en la guitarra, Hugo Egon Balder en la batería y Rolf Gurra en el saxo y voz. En este disco se pueden encontrar sonidos muy parecidos a un Machine Head de Deep Purple, al primer disco de The Doors y a un IV de Led Zeppelin. Y debe ser la coincidencia de hacer un Buen Rock. Birth Control juegan con los cambios, el órgano nos recuerda a Manzarek [The Doors] y a esa impulsividad que tenía Morrison en el escenario. Birth Control es merecido ser escuchado en un carrete, en radio Futuro [88.9 fm] o en alguna caminata de media hora. Si cabe la oportunidad de tener una cannabis, escuchando "Deep Inside" MUCHO MEJOR.

En este disco tributan a The Doors con Light My Fire,y creanme, que es el mejor tributo que he escuchado a esa genial banda. No sólo porque esta versión es más extensa, sino que le adjudican un sonido bastante peculiar, que sólo Birth Control puede lograr.


Bajar Birth Control ACÁ/HERE

jueves 4 de diciembre de 2008

Achim Reichel & Machines - Echo [1972]


[Krautrock]


Oh! Ave Alemana a 1000 fps!

El krautrock no deja de sorprender. Su mitología es tan intensa y vasta como una valkiria o el silmarilion. “Montado sobre el secreto” como quien elige un caballero del zodiaco favorito yo incurría en la lógica afirmación de considerar a Manuel Gottsching, guitarrista del aquí publicado Ash Ra Tempel, como el mejor guitarrista de la oleada Krautrock. Así lo demostraban Amboss de su homónimo, los proto-amboss de las Private Tapes, su trabajo solista proto-electro “inventions for electric guitar”, la versatilidad pero a la vez estricta relación con el blues que le antecede. Crimen y no. Siempre encontramos en la fauna un insecto más deslumbrante. Crimen es no valorar lo antes visto, la experiencia que sujeta todo aquello que ahora deslumbra. Pero Crimen también son las aseveraciones vanas, nacidas del fervor momentáneo. Achim Reichel es el Halcón que (según cuenta Nicolás) puedes ver a cierta hora en el edificio alto de Principe de Gales con Vicente Perez Rosales. Su trabajo me fue introducido por Juan en su infructuoso blog Starship 1967. Su review es acerca del primer disco de Achim Reichel con su banda Machines, un espejo sofisticado del ya mencionado “inventions for electric guitar” que vendría siendo, según Juan, una “proyección sonora que incluya más instrumentos, capas y por ende caminos por dónde ir. Se pueden reconocer las secuencias onderas de la guitarra proto new age del "Inventions" en este disco, estilo que desarrollan durante sus próximos cinco publicaciones, junto a pinceladas de blues, experimentación y ecualizaciones lisergicoalcaloidísticas que pueden traer más de algún recuerdo a los iniciados” y yo concuerdo con la descripción, agregando además que para el placer de muchos ese disco obedece al formato canción; como el bueno de Jimmy Hendrix, la psicodelia contenida contra los extensísimos jams puede ser más placentera si uno no prefiere el genero mayormente. En este, su segundo disco, Achim renuncia al formato canción en busqueda de un momentun más cósmico e hipotónico. La guitarra y la mayoría de los instrumentos son utilizados para secuenciar (ahí su símil con el Inventions, salvo que el Inventions está ejecutado exclusivamente con guitarra electrica) generando una pasividad llena de variaciones y texturas que glorifican la experiencia. Achim conduciéndonos ante tal paisaje encima de sus guitarras bluseras que van y desaparecen con la misma gracia de un avistamiento maravilloso; cuando sin esperarlo pero extrañamente sugerido caen las notas abriendo un espacio atemporal e integrador: un collage de orientalia, experimentación de estudio y música religiosa (alabanza mantrica), de ahí su conexión con una experiencia más espiritual antes que psicodélica hedonista pero tangencial a la liberación moral que el blues trae de vuelta en su amargura. Podemos reconocer en las composiciones de Achim el mejor resumen de las estrellas Krautrock, y eso lo hace merecedor del Ave Latinoamericana. Ash Ra Tempel, Amon Duul, Can, incluso Popul Vuh y Guru Guru, Achim Reichel & Machines va a satisfacer a los amantes de cualquier banda que se adjudique el rock como herencia y la psicodelia como consecuencia.


Baja Echo AQUÍ/HERE


Jacula - In Cauda Semper Stat Venenum [1969] Italia

[Dark Ambient]

Esta es música "gótica" antes de que se acuñara el término para el estilo/"movimiento"/MODA que conocemos hoy en día. Solo escucha y me vas a dar toda la razón.

Imagínate lo siguiente: de este álbum aparecieron algo más que 300 copias que a finales de los sesentas solo fueron distribuídas entre grupos satanistas. La leyenda de la banda, que según algunos es "una propaganda del sello para promocionarla" (lo cual es raro si publicaron tan pocas copias), es vasta: se dice que el organista robó el instrumento de una iglesia en la que tocaba y vendió su alma al diablo, ya que tenía más de ochenta años y quería casarse con una pendeja de 18... ¡Y lo logró! Etcétera. También supuestamente grabaron este disco en un castillo en ruinas.

Otro "dato freak" es que el nombre de esta banda proviene de un comic porno-gótico italiano que circulaba ahí por los años sesentas. Muy cachondo y sin mucha trama, la verdad. Sea como sea, sobra la leyenda, porque al escuchar esta obra nos meteremos en un mundo tan oscuro que pareciera que las mismas sombras se comieran a las sombras, es una perfecta misa negra. A veces, irrumpen blasfemos coros "angelicales", a veces, los órganos tienen unos desvaríos que harían llorar a la gente de terror si estuvieran en una película de Lugosi, otras, las arengas ocultistas se toman la escena...

No me gusta mucho hablar de la música como escucharla, así que adelante:

Baja In Cauda Semper Stat Venenum ACÁ/HERE

martes 2 de diciembre de 2008

Mike Patton - Adult Themes For Voice [1996] EE.UU

[Noise / Experimental]

No es de extrañar que Mike Patton haya hecho un disco solista, de ruidos, aplausos y voces que superan la incoherencia y la desestructura en la música. Adult Theme For Voice es un disco que hizo Patton en la habitación de un hotel, en su gira con Faith No More. Creo que la mayoría de las personas que visitan esta página saben de quien se trata Mike Patton, pero no es irrelevante mencionar que su primera banda fue Mr.Bungle cuando tenía 17 años y que se hizo conocido con Faith No More [luego nacen proyectos como Fantômas, Tomahawk y colaboraciones con Sepultura, John Zorn, The Dillinger Scape Plan, Björk, Melt Banana, entre muchos].

Este disco es una total tortura y masacre para quienes buscan la armonía en la música. Los sonidos que se presentan en temas como Guinea Pig 2 o en Porno Holocaust son de extrema crueldad y de una experimentación magnánima. El disco consiste en 34 tracks y crea un ambiente agradable para quienes escuchamos el noise de Merzbow y Whitehouse. Escencialmente es Noise y no sé si tendrá alguna referencia como lo fue The Litanies Of Satan de Diamanda Galás, pero de lo que estoy seguro es que Mike Patton está en otra; ya no se dedica a crear ruidos, sino que está rapeando con Dan Automator en un proyecto llamado Crudo!. Y aunque sé que no será algo como Lovage o Peeping Tom, estoy seguro que Patton ya no tiene esa capacidad de impresionarme con un disco - éste, a mi opinión, es el más osado y bizarro que ha hecho Patton.


Baja Adult Theme For Voice ACÁ/HERE

miércoles 26 de noviembre de 2008

Nenia - La Casa Del Dolore [2000] Italia


[texto escrito por Ricardo Iturrieta]

Un ex-compañero de colegio me preguntó si preferiría dar miedo o que me amen. En ese momento no le supe contestar, porque nunca había experimentado el amor. Pero luego del desamor, creo que es la segunda; y no crean que es una confesión amorosa de "el amor me hizo débil y ahora quiero dar miedo" Sino que me aburrí del dolor, y de esa sensación alejada de lo neutro. Eso me produjo esta banda Italiana, que conocí gracias al señor Pazuzu, una persona que conocí en el programa radial After Midnight, presentando un disco de Pazuzu. Ahi dió su mail y ahora mantenemos contacto, intercambiando música, entre ella: Nenia. La Casa Del Dolore es un disco que le rompe el ano a Sopor Aeternus y que deja mal parado a quien intente recitar poemas con fondo oscurillo. No es coincidencia que no sólo reciten arrepentimientos, sino que resalten, a manera de gritos, insultos a lo recitado.

Nenia no se hace redundante ni tampoco aburre. Crea una atmosfera bastante cruel y mojigata, y que no da cabida a lo sutil. Nenia puede romperle el clitoris a una frígida que le guste Lacrimosa o que se asuste con Nosfferatu. Y considero que no necesita presentación escrita, sino que teatral [por favor, no se imagine al pelao de Sopor Aeternus ni ninguna estupidez parafernálica a lo Cirque Du Soleil] Pero eso estamos haciendo, y nos enorgullecemos de ser inconsecuentes; nos da honestidad y no una etiqueta social [quedar bien con los demás, si no se entiende la seudo metáfora]
Cuando presenté a Coil, le di crédito a Gurowner. Ahora le toca el turno a Pazuzu.

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[Texto escrito por David Campos / Pazuzu]

Nenia es una banda Italiana que se podría decir de Dark Ambient, aunque agregan elementos que no son característicos del estilo, por ejemplo las narraciones que más que eso son susurros, gritos y llantos. Prácticamente no muestran muchos samplers y utilizan, en algunos temas, percusiones casi militares; pero yendo a lo que a mí mas me importa son los sentimientos que me producen al escucharlos: Son la raja, estos italianos si que saben mostrar la desesperación en todo su esplendor a través de este disco del año 2000, editado por el sello Beyond…prod. Empezando por los vocals de Giuseppe Imprezzabile (que además toca los teclados, guitarra y programa los samplers) que de verdad uno cree que el desgraciado está pa' la cagá sicológicamente, hablando, especialmente cuando llora, lo que en conjunto con la instrumentalización de Andrea Bisi y Massimo Rossi (todos hacen de todo, sintetizadores, teclados, samples y guitarra) logran a través de su música que te sientas oprimido. Te transmiten su depresión, de hecho el nombre del disco no pudo ser mejor escogido…

Espero lo soporten y les guste… ¡¡¡Emos, abstenerse o se arriesgan a cometer suicidio!!!



Baja La Casa Del Dolore ACÁ/HERE

martes 25 de noviembre de 2008

Jacques Berrocal - Hotel Hotel (1986) Francia

Hotel Hotel, 1986: Free Jazz, Avant Garde

Una de las herencias de Bolaño es cierto resquemor a la propia situación de ciudadano, y como Bolaño es transversal a la muerte y su invitación es constante (siendo la muerte el mejor lugar para el diálogo), ubicarse en un sitio es particularmente peligroso: no hay forma de reconocer el sentido de los pliegues en el rostro de un desconocido, ajeno por el abrupto orificio que la demencia (la que verdaderamente ocupa este nombre arrinconada por otra palabra séptica, la que de alguna forma se hereda) ha abierto entre nosotros. Algunos seguimos atentos a los hechos (casi todos muy misteriosos y sugerentes) que delatan la patria, la que alguna vez efervesió en una idea como un beso entre dos amantes, quizá algún epilogo en el brote de la sangre “burning like champagne”; otra forma de invitarnos la hoz. El verdadero sitio, Tio.

La música conforma su espacio dividiendo la posibilidad de su placer en categorías sensoriales e intelectuales: música de relajo, música como ejercicio de torque sobre cierto engranaje, así abrir la oración siguiente y sentido porvenir, un lugar como una épica, lazos transparentes entre lo incomunicable. Hotel Hotel es el lugar donde Jacques Berrocal ha encontrado su abecedario e incendiada muerte – la crisálida – en cada eventualidad. El concepto principal invita a la destrucción del lugar desde donde se aprecia la música. La instrumentación otorga a cada valor un timbre étnicamente opuesto o movedizo dentro de la escala de lo discordante, creando el cubo de cristal, aquel extraño pasadizo de vidrios donde creemos que Bruce Lee contrajo la muerte. Los lugares están casi siempre lamidos por la necesidad de atravesarlos a diario. Pero su despliegue de movimiento es bastante superior al lugar habitat donde concentramos las actividades básicas; en ese sentido el tránsito es el lugar literario del habitar porque concierne al desplazamiento a través de sectores clausurados de movimientos o unidades de acción. Berrocal aprehende este principio y descubre el eclecticismo de comportamientos que sugería el “drama del desencantado” de Márquez. En todos los rincones una breve explosión de identidad, espacio (como un gajo de naranja) en el tiempo. Y la experiencia acaba hasta alcanzar el lugar donde nuestro cerebro vuelve a entintarse de ocio en el lugar que ya conoce. Su respuesta (la de Jac): tracks de corta duración, vientos reverberados, el misticismos sugerente de las escalas orientales, los misterios desde la occidentalidad europea y su vista sobre el mundo: “ahí, estirar la mano y coger el oro” y de repente el quiebre de manos pesadas sobre un piano alejado en una amplia habitación del primer siglo. Un hombre solo, interpretando, y del otro lado la furia del movimiento compulsivo hacia el espacio: calzar todas las notas, recorrer todos los lugares y en ellos el secreto de todos los hombres para lograr ser él hombre por todos.

Avant- Garde es sin duda la última espina de las crónicas Kafkianas. Es el lugar que nos retiene por fin y permite el punto de vista, pero cuyas cerraduras cambian todo el tiempo. Buscaremos mañana acceder al momento de excitación, pero las paredes y surcos, caminos y puertas serán distintos, no obedecerán a dinámicas físicas ni metafísicas y tampoco se incluirán en la representación de nuestra épica. Son instancias que uno elige en un disco o en la calle, paneo de ruidos y edificaciones, la verdadera ciudad que crece a voluntad enmarcada en nuestra propia experiencia cultural, y como habita en nosotros, como la elegimos en la proliferación de cunas intelectuales, representa inmediatamente la muerte y el beneficio de ella en la existencia. Vamos sofocándonos y retomando el aliento. Auto-atentándonos. Reconociendo que inevitablemente nuestra disposición en el mundo es errónea, que no hay mundo y no hay merito, y menos existe el hogar si el hotel desde donde decidir el próximo transito.

PD: Datos duros: Berrocal pertenece a la misma camada de músicos Franceses que fueron apadrinados por la loba Futura. Colaborador de muchos proyectos además de una solida discografía solista, ha contribuido con Francois Jeanneau, el aquí publicado Jacques Thollot, Pascal Comelade; este disco cuenta con la colaboración de Pierre Bastien, todos músicos bastantes preocupados en alcanzar un sonido particular y elocuente, truly “out-.there” sound, fundiendo sus estudios y origenes en el Jazz con cualquier intervención sonora descubierta hasta la fecha. AVANT a la VENA


Baja Hotel Hotel ACÁ/HERE

sábado 22 de noviembre de 2008

Magma - 1001º Centigrades [1971] Francia


El volcán estalla y otorga su lava, esto es gracias a la Magma; formado por una fusión parcia de una fuente localizada, a grandes profundidades. Esto podría definir a esta gran banda Francesa, liderada por Christian Vander y con un genio de la san puta. Luego de la muerte de John Coltrane, Vander decidió no irse por los caminos del jazz, por parecerlo insuperable luego del legado de Coltrane. Así fue que inventó su estilo, llamado Zehul, ccuya influencia se pasea por Igor Stravinsky y por Frank Zappa. El Zehul viene de la lengua neologísta, Kobaïen, y significa "celestial". Y no es extraño que en 40 años, la banda siga viva y creando música; cada vez en busca de esa perfección o simetría que muchas veces ellos mismos la rompen. Con pianos, trompetas y voces que uno no espera en el orden que se había generado. 1001º Centigrades tiene muchos destiempos y cortes que hacen redundante, pero a la vez atractivo e innovador lo que se escucha. No sé si les dirá algo que el primer tema dura 21 minutos y que en ningún momento aburre; nada de reiteraciones lateras a lo Mars Volta, sino que cada vez va en progresión.

Lo que más me llamó la atención de Magma, es que sus discos están cantados en Kobaïen, una lengua neologista que evoca contenidos inconscientes en el oyente. Nos enfrentamos a tres temas absolutamente progresivos, que no cansan ni decepcionan en ningún momento. 1001º centigrades está en el proceso de Kobaïa, que al ser incluidas en los dos primeros discos de Magma, nos encontramos con tres movimientos.

I. La Decouverté De Kobaïa
II. Le voyage

III. 1001º Centigrades

Antes de escuchar a Magma, me parecía que NADA se podía parecer a Mr.Bungle, ahora opino lo contrario. Me desilucionó al conocer: de Mike Patton al conocer al vocalista de Focus, de The Strokes con Television y ahora de Mr.Bungle con Magma.



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lunes 17 de noviembre de 2008

Whitehouse - Dedicated To Peter Kürten [1981] Inglaterra


Si a Kraftwerk se los considera los pioneros de la electrónica; yo considero a Whitehouse, los pioneros del Noise. Estos tres Ingleses tienen una capacidad macabra de ejecutar ruidos y efectos que generan un ambiente ideal para expresar tu odio a quien más se lo merezca. Hace unos meses publiqué Psychopathia Sexualis. Ahora le daré tributo a este excelente disco, que se lo dedican a Peter Kurten; un asesino en serie que es mencionado en Psychopathia Sexualis; con una gran admiración a Jack, El Destripador. Sus víctimas quedaban absolutamente violadas y masacradas tras la tortura de Kurten. Este disco tuvo 900 copias en vinilo; 500 la primera edición y 400 la segunda. No es de extrañar que este disco te pueda dejar con ganas de enterrar un tenedor a quien se te cruce.

Peter Kurten
[26 de mayo de 1883 - 2 de julio de 1932]

Peter Kürten fue uno de los asesinos en serie más conocidos de Alemania. Conocido como "El vampiro de Düsseldorf", cometió al menos 9 asesinatos de adultos y niños y 7 intentos frustrados.

Kürten nació en la localidad de Mülheim, Alemania, siendo el tercero de trece hermanos en el seno de una familia extremadamente pobre. Kürten presenció como su padre, un alcohólico y violento trabajador en paro, maltrataba a su madre e, incluso, violaba con total impunidad a alguna de sus hermanas menores. Kürten escapó de su hogar a los 9 años, a la ciudad de Düsseldorf., donde cometió sus primeros asesinatos; ahogando a dos amigos mientras se bañaban en el río Rhin.

Fue contratado como perrero: acá experimentó el "placer" de torturar, violar y matar a perros abandonados. No fue el único caso en la vida de Kürten donde experimentaría experiencias sexuales y torturas con animales.

Sus violentas tendencias se fueron incrementando a medida que se iba haciendo mayor. Paralelamente, Kürten necesitaba trasladar esas experiencias sanguinarias de animales a humanos. Así, su primer asesinato, a parte de sus dos amigos ahogados por él, lo cometió el 13 de mayo de 1913. Kürten merodeaba una casa presuntamente vacía para robar. Pero en ella se encontraba Khristine Klein, una niña de 13 años que dormía en su habitación. Kürten, tras comprobar que no había nadie en la casa, estranguló a la joven para terminar degollándola. Otra de sus víctimas fue Rosa Ohlijer, de 8 años de edad, apuñalada trece veces con unas tijeras y tras beber su sangre, quemó su cuerpo con gasolina.

En 1929, llegó el año más sangriento de Kürten. El 8 de febrero, asesinó a una niña de 8 años. El 23 de agosto, mató a dos hermanas de 5 y 14 años. En septiembre mató a una mujer con un martillo. Y el 7 de noviembre, llegó al punto álgido de su locura al matar a una níña de 5 años y enviar a un periódico local el mapa de la tumba de la niña asesinada.

Fritz Lang dirigió M, el vampiro de Düsseldorf basándose en los trágicos hechos realizados por Peter Kürten.

No es gratuito que Whitehouse le dedique un disco a este asesino en serie. Que a mi opinión personal, es uno de los más estratégicos y que admiro. Al igual que Whitehouse: pocos discos decepcionan o dejan con gusto a poco. Esta no es la excepción.



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jueves 13 de noviembre de 2008

Diamanda Galás - The Letanies Of Satan [1989]


Femme Avant Garde con un registro vocal de la puta madre. Aparte de su composición en piano, tiene una tendencia a gritar como si estuviera siendo torturada en una película sadomasoquista [sí, puede ser una Bondage] Este disco consiste en dos temas, entre ellos Wild Women With Steak-Knives que fue presentado en la primera temporada de Virus Auditivo [programa de radio que hice con mi desaparecido buen amigo, Alberto Parra] The Litanies Of Satan es una invocación a demonios, miedos y es muy recomendable escucharlo a oscuras, con un buen vino o cualquier estimulante que aumente el líbido. Recuerdo que con Alberto, comentamos este disco en el programa de radio, y llegamos a la conclusión que Diamanda Galás te de miedo o te excita, y creo que fue mutuo el acuerdo de la segunda opción.

En The Litanies Of Satan hay una invocación al poema "Las Flores Del Mal" del mismisimo Charles Baudelaire; es decir, la oscuridad no es coincidencia. Este disco es uno de los mejores, a mí parecer, de Diamanda Galás, ya que su voz impacta y seduce; se esconde, burla, ríe, profesa un miedo y un delirio que puede hacer que a un misógino se le erecte el pene y deje su soberbia, descansar un rato.

"O toi, le plus savant et le plus beau des Anges,

Dieu trahi par le sort et privé de louanges,

O Satan, preds pitié de ma longe misère!

O Prince de l'exil, à qui l'on a fait tort,

Et, qui, vaincu, toujours te redresses plus fort

O Satan, preds pitié de ma longe misère!...

O toi qui de la Mort, ta vieille et forte amante,

Engendras l'Espérance –une folle charmante!

O Satan, preds pitié de ma longe misère!"



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miércoles 12 de noviembre de 2008

Militia Christi - Ordo Militia Templi [2003] Italia


Nunca he viajado a Italia, pero aún así, siento que no es un país "bonito", ni por sus botes, ni su comedia Fellinesca ni su arquitectura romántica; hay algo que me deja con duda, y es Militia Christi; quienes me dejaron con una mente luciferina, quizá hereje. Militia Christi no es el tedioso tratado político Español, sino que una banda Italiana que no se encuentra de manera fácil. Es más, la escuché por primera vez en After Midnight [programa de Rolando Ramos] hace 5 años atrás, hablo del 2003, y fue "una experiencia religiosa" como diría Enrique Iglesias -Sé que ese chiste es como la callampa, pero necesitaba decirlo.

Militia Christi es una banda que se las trae, que es digna de burla o de tomar en serio; yo opto por lo segundo y es un pecado NO ESCUCHARLA. Utilizan paneo de voces, que va progresando al paso de cada tema. Con arrepentimientos en Italiano, que invocan a la sangre de cristo; y uno, como hereje, se da cuenta que si intención no es obtener ese perdón, sino que burlarse de aquello - asunto que hace que me atraiga esta banda. Uno se encuentra con lamentos en voces féminas, como si fueran unas monjas a punto de hacerle sexo oral a una estatua, gritos que aumentan el climax del tema y samplers que aproximan la oscuridad, que sólo Militia Christi supo hacer en este disco [el disco que sacaron después de este, es una verdadera mierda; una especie de EBM mal ejecutado y aburrido] Ordo Militia Templi hubiera ardido en llamas en la Inquisición. Nos enfrentamos a una herejía con aura de avispas y vértigo; que utilizando recursos como el humor negro y sonidos ténebres,considero que es una banda digna de conocer.


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lunes 10 de noviembre de 2008

Coil - Music To Play In The Dark, Vol I & II [1999-2000] Inglaterra


Si Radiohead se lanzó a la fama experimental con Kid A y Amnesiac, Peter Gabriel con Passions y Frank Zappa con Joe's Garage o You Can't Do That On Stage Anymore; Coil lo hace con estos dos discos, que al principio, consistían en 2.000 copias que sólo se podían conseguir vía mail [recordando que napster y muchos programas, sólo estaban destinados para compartir "temas"]

Coil son de esas bandas que hablan por si solas, que no necesitan una tarjeta de presentación y que su música cada vez es más impredescible. Y en este disco no es la excepción. Music To Play In The Dark consiste de dos partes, la primera consiste en un coqueteo bien oscuro, con muchos paneos sonoros que se entremezclan para producir una confusión de sonidos y voces, para luego, en temas como "Red Queen" se torne como un testamento de alguien que está falleciendo, a través de ecos y reverberaciones [que sólo Coil sabe no abusar de ello] parezca una verdadera ecmesía, con una letra bien paranoica y una música que puede ser utilizada para una segunda cita, con velas y una mala intención a escondidas. Dejándonos con la gran pregunta " What are you going to do if they don't believe you?" Digna de burla del neo-nazi que compra colados o que, simplemente, sea tomada en serio. Y la segunda parte, un arrebato contra todo lo que conduce el miedo: "una patá en la raja con punta de fierro"

Las letras de Coil, hacen que sea una banda relevante, subversiva y cualquier sinónimo que no sea "comercial". Con más de 20 años de haber sido engendrada por el luciferino disco "Transparent" John Balance y Peter Christopherson [ex- miembros de Pshychic Tv] son una amenaza a cualquier idea que se les ocurra, entre ellas: Music To Play In The Dark.

"Remember to say thank you for the things you haven't had" [Coil - Broccoli]

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[texto escrito por Gurowner]

Cuando me enteré que John Balance había muerto, lloré. No fue llanto mamón de un emo de muerda, no. Fueron dos lágrimas que desaparecieron en silencio. Perdí a Coil. Todos lo perdimos.

¿Alguién se acuerda de ese día?

Poco después de que le visitara la Muerte, se publicó un libro decondolencias. Lo quemaron junto al cadáver, entre las llamas y la carne rotizada. Mis palabras de dolor ardieron para ser leídas en otro mundo. "A John siempre le gustó llevar lectura a los viajes" Aquella fue una despedida acorde al perfil mági(k)o de ua persona que fabricaba dioses de plasticina en su infancia, y que logró
traer al mundo una música tan significativa para mí, que hablar de esa experiencia sería entrar en lo más íntimo de mi vida personal.

Seamos justos. Coil no sólo es Geff. También tiene al gran Peter Christopherson - miembro de los legendarios Throbbing Gristle. Es decir, un peso pesado que fue parte de la verdadera escena industrial, la de los setentas.

Muchos nombres. Ahora hablemos de ruido

Estamos frente a una banda que hay que sentarse a escuchar. No es música que un altoparlante pueda imponerte para bailar en un carrete, ni para hablar de otra cosa con tus amigos cuando está sonando. No seas imbécil. Como quieras escucharla, da lo mismo. Puedes hacerlo con los ojos cerrados y velas prendidas, en tu cama con la persona que amas, con licor, en estados alterados de consciencia gracias al efecto de drogas, o haciendo el ritual que te plazca. Lo importante es, como dice el nombre de estos dos discos, apagues la luz, y deja que la música de Coil te arrastre al mundo que hay detrás de este.

Hay coas ahí. En serio, aunque no las veas. No dudarás de ellas luego de que el sonido te lleve de la mano a ese lugar creado en la oscuridad. Aprende de los susurros que te van a hablar, de las frecuencias extraños que tomarán formas. Luego, sabrás que puedes esconderte ahí cuando quieras. Basta con golpear el "Play". Déjate arrastrar hasta el fondo de lo que vive tras las sombras y pregúntate..

"¿Es la cárcel que odias, el hogar que también amas?".




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jueves 6 de noviembre de 2008

Frame Of Mind - Frame Of Mind [1972] Alemania


Después de 36 años de su existencia, tuve el placer de escuchar este disco, y considero que es una de las mejores bandas Krautrock que he conocido hasta el momento. Se trata de una agrupación que no es pretenciosa, que recuerda a Pink Floyd, The Doors y muchas bandas que al ser comerciales, pierden su escencia. Quizás por eso los encuentro algo que estuvo escondido hace mucho tiempo, como ese cassette que encuentras de manera inesperada. El sonido de Frame Of Mind se parece bastante a Kaputter Hamster, cambios que pueden superar al sobrestimado Jimmy Page y con progresiones sonoras que me recuerdan a Electric Sandwich [proximamente serán publicados]. Frame Of Mind se suma al listado de bandas Krautrock que utilizan más de dos voces, en este caso son cuatro: Andy Kirnberger [guitarra, piano, voz], Cherry Hochdörfer [organo, piano, Mellotron, spinet, voz] y Peter Lotz [bajo, percusión, voz] y Dielter Becker [percusión, voz]; el baterista Wolfgang Clus sólo integra la percusión y la batería, y no es en vano, ya que le agrega unos cambios al sonido de todos los tracks - es como mirar a menos a Dave Lombardo.

Frame Of Mind me aleja de The Doors, y en general, de mucha música de fines de los 60's que comenzaron a hacerse populares en el 70 - sobretodo con la invasión de Woodstock; donde muchos rayaron con Hendrix, Joplin y Santana - ojo, no los menosprecio, al contrario. Y agradezco que existan bandas como Frame Of Mind, debido a que pocos la conocen, y la intención de este blog es dar a conocer, de manera "no comercial" bandas que realmente valen el tiempo de ser escuchadas. Quien se mete a internet para no ver televisión, agradecerá haber escuchado esta banda.



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lunes 3 de noviembre de 2008

Blood Axis - Gospel Of Inhumanity [1995] Estados Unidos


Primer LP realizado por Michael Moynihan; literato, realizador de performances - considerando a Nietzche como el "Anticristo" - y fundador del sello musical Storm Records [The Gibbons, Cauldfield] Los samplers que contiene este disco están loopeados de manera perfecta y son los otros sonidos, generados por sintetizadores, lo que le da ese ambiente oscuro y fúnebre. Gospel Of Inhumanity contiene composiciones de Johann Sebastian Bach y Sergei Prokofiev, a su vez, se añaden fragmentos de Friedrich Nietzsche, Ezra Pound y Henrry Wadsworth Logfellow; es decir, este señor no anda con rodeos: te pega una patá en la raja sin coqueteo previo. Moynihan, interpreta los cantos de Pound en "The Voyage", de una manera que a uno lo puede trasladar un siglo atrás, y empatizar la rabia y decepción que manifestaba Ezra Pound en 1950.

Moynihan ha trabajado con Boyd Rice en 1989 y fueron parte de la Church Of Satan [fundada por Anton Szandor La Vey]. Pero sus diferencias ambiciosas terminaron por separalos y unirlos en un Split [disco en conjunto] por lo que en 1990, cada uno vio por las suyas. Un dato que encontré interesante y digno de comentar, es que Michael Moynihan tuvo una relación amistosa con el asesino en serie Peter Sotos. Moynihan estudió literatura e historia, y haberse graduado en Colorado dio fruto a que Gospel Of Inhumanity se trate de un disco macabro e interesante de escuchar; no sólo por la música que logra ambientar este señor, sino que por las citas que utiliza en cada track.



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miércoles 29 de octubre de 2008

O Paradis - Cuando El Tiempo Sopla [2007] España


"Un hombre sin ojos podria ver más fácilmente que un hombre soberbio" Metáforas sobre amores ilusos, quienes ponen toda su ignorada fe en lo eterno. Esa impresión me deja O Paradis, y su disco Cuando El Tiempo Sopla. Luego de 6 años, se logra moldear el alma gemela de Ensueños. Dicen que el tiempo desaparece, a mí opinión: hace desaparecer. Y así lo había pensado con O Paradis, luego de Ensueños; HASTA que sacaron este disco; tratado con una ternura amenazadora y que no tiene consuelo. Entre caños y cervezas con Eduardo y Gurowner [no quiere mostrar su identidad] me percaté que nadie ha superado el Dark-Folk de Death In June y Current 93. Pero existen excepciones; aquellos que no traicionan el Folk y no se dedican a divulgar sexo vampirezco con "sonidos oscuros". O Paradis evade la parafernalia con maquillaje y se dedica a presentaciones sin artilugio ni pretensión. Ha trabajado con Novy Svet, un Español que hace un trabajo parecido a Demian, pero de manera más osada y etílica.

Con este disco, puedo considerarme un eterno seguidor de esta banda, proyecto, obra traída de ese cielo en llamas. O Paradis es capaz de resumirte el mensaje de Front 242 y Sister Of Mercy en una sola frase. El responsable de que el Dark-Wave sea mirado como un chiste, es Demian; que trabaja como un vil Lenny Kravitz o Trent Reznor [Nine Inch Nails]. Los samplers, voces en Italiano y efectos de sonido en algunas frases de Demian crean que esta obra sea utilizada como secta, para todo seguidor del Dark-Folk. Demian sigue con su poesía maldita, esa que puede resumir la razón de tu trastorno en una frase. Y en este disco te vas a dar cuenta que en canciones como Desnuda o Sexo A La Luna, podría dejar a un "emo" con una risa nerviosa o una fila de corchetes en su brazo, y callado al que suele hablar sin pensar. Cuando El Tiempo sopla, tiene que ser escuchado por cualquier persona que tiene paciencia y tiene ese maravilloso don de escuchar y no juzgar.



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martes 14 de octubre de 2008

Sickness Of Snakes - Nightmare Culture [1985] Inglaterra


Este proyecto consiste de un split, sacado en vinilo, con 5.000 copias sacadas en la primera entrega. Quienes forman esto es Current 93 - banda Dark Folk formada por cinco integrantes, entre ellos Steven Stapleton; también se suman a la parrilla el señor John Balance y Christopherson, integrantes de Coil y el polémico y actual Dj con tendencias al satanismo Boyd Rice.

No es extraño que se encuentren samplers de cánticos Barrocos y gritos protestantes hacia el cristianismo; ya que ese sería el sello que identifica a Current 93 y por parte, a Boyd Rice. Los sonidos se asemejan bastante a Coil, sobretodo en el tiempo del Scatology y Rotorvator; hablo de la época industrial del 80. Por otra parte, cada track pareciera ser una suerte de carta de presentación de cada banda que se presenta. Ya que el EP se incia con un fragmento de Beethoven y luego con esa ensalada ruidística, que sólo Coil sabe llevar a efecto. Se pueden apreciar sonidos que solo conocen los que han estado fuera de la urbe, y que con el ingrediente que sólo Boyd Rice sabe dar a sus samplers loopeados, se logra esa catarsis que puede dejar a una menopaúsica con una crisis nerviosa.
Luego de ser lanzada esta obra, alguno tracks fueron utilizados en compilados de Coil y de NON [proyectos que pueden persuadir a cualquier seguidor de Nine Inch Nails de que no es LA GRAN HUEÁ] Que la obra hable por sí sola: Current 93, Boyd Rice y Coil.



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viernes 10 de octubre de 2008

Yoko Ono - Season Of Glass [1981] U.S.A


Siendo sincero: me encanta este disco, y lo conocí gracias a Alberto. Es por eso que les dejo el review que escribió él acerca de este disco hace algún tiempo.

[Texto escrito por Alberto Parra]

Persa hoy día, luego de dejar la casa de doblevé a las 10.30 de la mañana. No me hubiera ido (no en estos tiempos) de no ser por los discos. He aplazado la compra del Season of Glass de Yoko Ono ya tres oportunidades: miedo a encontrarse con la melosas melodías de John Lennon que me restituyen a un estado antipático. Mucho Beatles en este mundo y demasiada iteración de ellos en el fractal musical. Años de fonoadiccón he escuchado a los Beatles en cada singular acorde de Kraut y desde ahí para adelante. No quiero ni mencionar bandas del dos mil. Allmusic proporciona la información necesaria para el ímpetu. Season of Glass --- Experimental, y en esta curiosa etapa de Sesselberg, Thollot, Ash Ra Tempel y Taj Mahal Travellers, no hay un nombre que me cosquillee más el estomago musical. Ya no hay miedo, por cinco mil pesos nadie le puede temer a un disco experimental de la Yoko Ono, excepto claro aquellos con una tendencia marcada al desorden producto de una temprana liberación infantil juvenil, evasión de responsabilidades, aquellos que necesitan la marcialidad ahora in his 20’s porque los padres nunca les apretaron el cinturón intelectual. Yo no. Yo crecí con el cinturón dos centímetros por debajo de mi piel. Yo tuve miedo la primera vez que realicé una resta que me dio un número negativo, en 2do o 3ro básico, o por lo que a mi respecta quizá antes, miedo a eso diferente que no se me había enseñado y estaba fuera, dos centímetros fuera de mi potencial. Ahora esta música, para quebrar los ordenes, flagelar las sinapsis, concretar el trabajo que empezó la marihuana años atrás. 5 mil pesos Season of Glass, 7 mil pesos Phallus Dei de Amon Duul II, 8 mil pesos el Mekanik Destruktiw Kommandoh de Magma. Quién iba a pesar que estos discos habitaban el Persa. Mientras reviso una serie de Lp’s de Robert Plant y Electric Light Orchestra encuentro uno de Carla Bley con su mejor pinta Madonna Minongue. Fusión me explican. No me gusta el fusión, demasiado Coleman y Coltrane como para que me guste el fusión. Pero eso es hoy. Revisando el Lyric Sheet escucho “Amon Duul”, el NWW radar se prende de inmediato, como cuando otrora escuchaba algún comentario sobre animación japonesa. Sí, este tipo no es como los de tres puestos más allá que parecen saber de Maiden y de los Beatles y solo de ellos. (de todas formas agradezco que me hayan prevenido al querer comprarlo que el Sticky Fingers de los Rolling Stones era una edición peruana de crappy sound --- Caballos Salvajes --- a quién se le puede ocurrir traducir esos nombres. Y después revisando los Cd´s, porque el tipo de Amon Duul tiene en vinilo, a una mirada inocente como la que me está iniciando (de esto me arrepiento ahora, para los próximos textos he idas al Persa), puras chuchería progresivas o malamente poperas que incluyen desde Whitesnake a Kitaro, pero en Cd una colección increíble, harto Pysch Folk, dos discos de Magma uno que ahora poseo yo y varias iteraciones de lo que en Providencia encuentras por 12 a 19 mil “módicos” pesos. De vuelta al hogar el auto en el estacionamiento 45 grados centígrados sensación térmica de 50 grados centígrados en la primera propulsión de aire del acondicionado. Mala señal para un vinilo tan delgado como en del Yoko Ono. Manejo de vuelta por las malogradas calles con el vinilo en mi pecho, tomando muy mal las curvas para no estropearlo, viéndome probablemente muy ridículo. Todo mientras escucho el de Magma, que le va otorgando la epicidad necesaria a una mañana ordinaria de sábado, con todas las cosas que pienso y dejo de sentir por el afán de comprarme discos. Voces femeninas corales, el ocasional punteo psychprogfolkjazz que me disipa los signos pare y las luces roja y me pone más cerca de la muerte, o de la ley. Pero en este momento la ley es escuchar música, ya ni siquiera escucharla, algo menos complejo que poner las orejas, una reacción química. Llego a mi casa y pincho el de la Yoko Ono mientras abro todas las ventanas que ayer dejé cerradas para ir a la casa de dobelevé. Un olor un poco rancio, quizá una torta (5 de enero) un poco podrida. El viento empieza a circular mientras la aguja suelta los primeros chirridos de estática. Luego, un acorde que recuerda una muerte. Luego, una voz que recuerda el docu de Fred Frith. Luego, una lírica que es una iteración. Allmusic reafirma la sensación de la información flagelada, no podemos fiarnos de nada. Estoy escuchando un disco de Yoko Ono que tiene exactamente los acordes melosos que me ahuyentaban de él. Y me gusta.

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miércoles 1 de octubre de 2008

Kaputter Hamster - Kaputter Hamster [1974] Alemania


Banda que nace en Flensburg, al norte de Alemania. Perteneciente a un Krautrock progresivo y un inglés bien pronunciado. El sonido es bastante primitivo [lo que no quiere decir que sea malo] debido a que lo grabaron en un garage, cada vez que salían de clases. Esta banda la componen cinco jovenes; Arne Linde en batería, Holger Heldt en el bajo, Frank Linde y Peter Buchfeld a cargo de sus respectivas guitarras y voces, y por último Wilfried Krickhahn como vocalista. El Krautrock progresivo de Kaputter Hamster logra mantener la atención con los solos de guitarra y batería, además, ocupan sonidos de tormentas y vientos. También se aprecian algunos fades que desenmascaran el sonido anterior; y que muchas veces se puede parecer a una introducción de Genesis o Cream. Tienen bastantes cambios en los ritmos y melodías, pero sin dejar de lado esa progresión que proponen en la forma anterior. No me extrañaría encontrarme a Kaputter Hamster sonando en un puesto de una feria artesanal, porque definitivamente es una banda para escucharla tranquilo, quizás recostado en una cama mientras se mira el techo y dejarse llevar por las melodías que esta banda propone. Aunque muchas veces uno se encuentra con solos de batería que pueden llegar a romper esa calma anterior, pero es sólo un asunto de minutos.



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sábado 20 de septiembre de 2008

The Raincoats - Odyshape [1981] Inglaterra

Conjunto formado en 1977. Con un sonido que el Post-Punk de ese tiempo nunca había podido lograr: parecer una banda Dark-Folk. Y no es cuento nuevo que las bandas del 70 tengan modificaciones - en cuanto a composición e integración - The Raincoats no es la excepción. Partieron con un bajo, una guitarra y dos féminas al canto: Ana Da Silva y Gina Birch [The Red Krayola]. Odyshape es la segunda entrega, donde participa Richard Dudanksi y Robert Wyatt. Lo que más se puede apreciar en este disco, son los cambios repentinos que tiene cada tema; pasando de un folk bien calmado a ritmos que muchas veces son violentos, tanto en música como en letras. Estos cambios, habitualmente se generan con violines y harta percusión, donde uno comienza a darse cuenta que esta banda va en serio. Sea el día que sea, en el mes que sea; este disco es ideal para escucharlo en invierno o mientras llueve. Solo, acompañado o con un affair. La cosa es ponerle atención y que esta magnífica obra hable por sí sola.


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lunes 15 de septiembre de 2008

John Cage- Sonatas & Interludes [1948] EE.UU


John Cage es una de las máximas referencias al Experimental. Su composición se basa en el azar y en experimentar sonidos de cualquier objeto que sea tangible. Y este disco es el vivo ejemplo de esto. Cage configura un piano [piano preparado] con tuercas, pedazos de plástico y clavicénbalos en el interior del piano. Esto le va dando un sonido distinto, según la intensidad de cada tecla. El disco en sí es bastante oscuro y da un ambiente misterioso: no se recomienda ser escuchado por alguien impaciente o que no soporte más de 20 segundos de silencio luego de una nota. No es por nada que John Cage pertenezca al movimiento Fluxus y que su fetiche por el budismo se haga presente en sus obras; debido a que su composición al azar significa que no haya una estructura, donde el silencio es fundamental en su sonoridad, y este disco es uno de los que no puedes dejar pasar. En el programa de radio que hice con Alberto, me enfrenté a tener la posibilidad de cambiar y modificar los decíbeles de Sonata#4, pero llegué a la conclusión que eso sería mutilar la obra, así que hubieron muchas notas que sonaban casi en silencio; y mejor que sea así: es John Cage; no le debe explicaciones a nadie.



Baja Sonatas & Interludes ACÁ/HERE

domingo 31 de agosto de 2008

John Coltrane - Interstellar Space (1967) EE.UU


Mientras Alberto está en Buenos Aires, yo me doy el lujo de subir este espectacular disco; que hizo que me interesara realmente el jazz. A mi criterio, siento que este es el disco de Coltrane que más muestra su virtuosismo y su capacidad de improvisar por más de 7 minutos; y esto sí que es Free Jazz del bueno: del que vomita rabia de las entrañas. No me había familiarizado mucho con Coltrane, es más, confieso que me cargaba el jazz y sobretodo Coltrane. Pero este disco deja para hablar. Y no extraña que esta etapa Free Jazz de Coltrane, haya influenciado a muchos jazzistas, entre ellos: Albert Ayler [que pronto publicaremos]

Con un título ad-hok, que nos transporta a esa constelación espacial, rodeada de sonidos agudos por parte de los platillos y de los redobles otorgados por Rashied Ali; dejando descansar al agotadisimo Coltrane, luego de su extenso solo improvisado. El disco empieza con"Mars", y hay un fragmento de un solo de Coltrane [07:41 - 07:52] que al parecer, lo ocupa Ornette Coleman para el tema "Street Woman", 4 años después. Espero que no se trate sólo de una paranoia auditiva de mi parte.

Este es el último disco en estudio antes de su lamentable muerte. Y a opinión muy personal, creo que esta es la mejor obra que nos dejó a sus 40 años. Este disco se lo dedico a quienes no conocen a Coltrane y aún no se familiarizan con el Free Jazz =)



Baja Interstellar Space ACÁ/HERE
[Les recomiendo Badongo o Mediafire]

viernes 15 de agosto de 2008

Jacques Thollot - Cinq Hops (1978) Francia


Cuarta entrega del baterista (y hombre orquesta) Jacques Thollot. Alejado de la influencia avant-garde que subrayaba "Quand le son devient aigu, jeter la girafe a la mer", Cinq Hops muestra un Thollot más orientado al Jazz que a la experimentación. Conducido principalmente por la batería y la fuerza de los sintetizadores de Thollot, el disco cuenta con la participación de otro monstruo de la escena francesa, el saxofonista Francois Jeanneau. Los temas no superan los 4 minutos, con pequeñas piezas de no más de 1 minuto y medio que representan fragmentos de virtuosismo y música de librería (a saber: música que se presta para, valga la redundancia, la musicalización de otras obras). Este disco tiene un regusto especial, abstracto, de un sentimiento casi irreconocible, subrayado principalmente por las potentes y agudas voces femeninas de Elise Ross que aportan la sensación de grandiosidad más propia del Zeuhl de Magma que del el Jazz tradicional y de vanguardia. El disco roza lo progresivo, que sería la cristalización ulterior de la música de Thollot en su disco "Tenga Nina" (que también subiré a su debido tiempo) debido a la fuerza de la batería de Thollot (que a ratos breves recuerda la vehemencia de Christian Vander) y vientos más contenidos, moviéndose entre escalas precisas que se iteraran en todas las composiciones de mayor duración, sin los atrevimientos esquizofrenicos del free. Subo este disco para romper un poco con la dinámica oscura a la que nos habíamos entregado, pero esto no significa que abandonaremos el culto al dark ambient y el pre industrial, este blog es una oportunidad para reintegrar la frase de Nurse With Wound "Categories strain, crack and sometimes break, under their burden - step out of the space provided"

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Baja Cinq Hops ACÁ/HERE

sábado 9 de agosto de 2008

O Paradis - Ensueños [2001] España


Si terminas con tu novia, eres vulnerable; sino, un psicópata. O Paradis induce a eso: al sadomasoquismo, al placer doloroso; mientras tu cuerpo arde, luego de esa estúpida llamada obsesiva. O Paradis los conocí con este disco, gracias a Rolando Ramos, en su programa After Midnight. Y aun tengo, con mucho orgullo, ese bendito [y a la vez maldito] cassette, rayado con lapiz bic negro; anunciando una amenaza sonora que te puede destruir lo que llamas "sentimiento".

Demian es el culpable de todo el Dark Folk que presenta este disco, con samplers de iglesias, testimonios de ángeles caídos y gargolas follándose una cruz oxidada. Todo lo hace una persona, y es la mejor poesía que he escuchado; más que el susurro de una musa menstruada, en busca de perdón y consuelo. Ensueños es la inquietud e incomprensión de alguién que quizás se ría luego de leer esto; es confuso y a la vez tierno; ideal para un día de lluvia, con la luz apagada: y mucho mejor si eres una especie de terrorista.

Hablar de O Paradis es como hablar de mi madre: no la conozco y aún así, la entiendo. Definitivamente es mi banda favorita, más que Radiohead y Tool; ES, y seguirá siendo mi fetiche sonoro, quien se adapta a borracheras, donde la frase "Olvidar es morir" la sigo gritando, en todo momento, y no me avergüenza: prefiero eso que llorar con Ana Gabriel. Y si me apuntan con una pistola, faltando 30 segundos para decir en voz alta las cosas buenas que tiene esta vida: una es Daniela Rubilar, las otras dos es mi madre y O Paradis.

O Paradis ha trabajado con Novy Svet; que es otro fetiche, que comentaré y haré conocer en unas semanas más. Me atrevo a decir que O Paradis es lo que todo punk esconde: dolor explícito. Es cosa que pienses en qué ritmo o sonido ponerle a esta frase: "Sin destino ni futuro. Sólo en momentos: casi soy feliz" Y desde lo más Crossover a lo Minor Threat a lo más Death Metal como Cannibal Corpse; no va a sonar tan honesto como O Paradis.

Y puedes ser el nazi masoquista o el hippie controlador; de todas las formas, le vas a prestar atención a esta banda: no es un chiste post-punk ni un delirio grunge. Sin reclamo mimado: es la muestra que el Dark Folk no se ha muerto.



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jueves 7 de agosto de 2008

Marion Brown - Porto Novo (1968) US


Marion Brown es un gato negro oriundo de Atlanta. Saxofonista alto y etnomusicólogo (ti-tu-la-do), su carrera ha sido más devota a la academia que a la composición. Quizá por esto es una figura subvalorada en la escena free de NY, raramente mencionado en el vox populi, perdido entre figuras como Coltrane, Ornette Coleman, Sun Ra e incluso el gato blanco John Tchicai, que supongo les suena a japonés controversial pero no. Thurston Moore, guitarrista de Sonic youth, en su legendario "top ten from the free jazz underground" menciona a Brown con su disco "In Sommerhausen". Personalmente, este es mi disco preferido de Brown. Siendo un devoto como soy a Ornette Coleman, aprecio el toque similar del fraseo de Ornette en su "the shape of jazz to come" al que Brown presenta acá. Distante de las locuras esquizofrenicas de, digamos, Don Cherry o "Afrodisica" de Tchicai, Brown nos regala un free mucho más lírico de una progresión más dramática que abstracta. Se abren los espacios entre el silencio y la cacofonía. Brown cede su lugar a la batería que cae como una demolición industrial: piezas de metal arrojándose unas contra otras, creando el peso de la voluntad y la catástrofe. El disco posee un toque de producción un tanto rustico, principalmente en el sonido de la batería; no sé si el gato le da demasiado a las cajas pero alcanza un pequeño hiss semejante al reverb de la batería de Thollot pero provocado por el Low Fi y la exasperación del gato: un contraste hermoso y vertiginoso entre la suavidad de los fraseos de Marion y su percusión trepidante. El bajo está lejos de imitar la pulsaciones típicas; se desplaza sobre todas las posibilidades del instrumento: frotándolo, golpeándolo, making it scream!, alejandose de su función rítmica y subrayando el lirismo de la composición de Brown. Amo la oscuridad de este disco, su vaivén continuo entre el drama y los reencuentros; cinco segundos del saxo de Brown y las épicas se cristalizan inmediatamente. Este disco es perfecto para quien se está iniciando en este tipo de música y aún necesita el ápice de Aristóteles en todo lo que escucha.

Decidí imitar al gran blog prognotfrog y hacer el favor de ejemplificar:



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domingo 3 de agosto de 2008

Whitehouse - Psychophatia Sexualis [1982] Inglaterra


Trío Inglés definitivamente sádico. Con un nombre que puede parecer ofensivo a un gringo patriota [es como si una banda Peruana se llame "La moneda", o una Boliviana "El ovelisco"]. El ruido que genera Whitehouse, es muy parecido al que publicó Alberto en el disco anterior. Los sonidos dan una atmosfera demencial y macabra; un regalo ideal para tu ex-novia. Muchos discos los produjo el cabrón Steve Albini. El conjunto fue formado por William Bennet, cuando tenía 18 años, quien integra al escritor morboso Peter Sotos Y el tercer integrante se trata de Philip Best, que a los 14 años se escapa de su hogar y se integra a la banda luego de verlos en vivo. Es decir, Ian Curtis y Sid Vicious son pura pose mimada: ya no me impresionan.

Este disco eyacula sangre con vidrio molido. Cada tema es diagnosticado, ya que tienen un síntoma homicida; en pocas palabras: cada tema es el nombre de un asesino en serie. Y no es que Whitehouse sea la mejor banda noise que he escuchado en mi vida melómana, sino que es la que menos se nombra y la que más mete ruido, quedando en claro que la frase "mucho ruido y pocas nueces" es la paradoja a este conjunto: porque puta que meten ruido.

Se los acusa de misóginos, y si es así: los aplaudo. El noise no es romanticismo, mucho menos metáfora snobista, es, y tiene que ser "sádica". Y no me extraña que el encargado de el artwork sea el ilustrador Trevor Brown, cuyas obras superan a Spiniak; y a cualquier comentario "polémico" de Roberto Dueñas o la Maldonado. Si tuviera que definir lo que hace Whitehouse, sólo me atrevería a decir que es un conjunto sádico y cruel, y que hacen del ruido, algo que no parece chacota o al lote. El hecho que nombren a Graham Young, Peter Kurten y a Peter Sutcliffe, hace que me den ganas de hacerles una especie de "Heil" con una cerveza en mano. Whitehouse son peligrosos; te coquetean para después follarte con dedo en el ano incluído, y este disco, es una real muestra que el sadismo y el bondage, parezca un juego de niñitas sumisas.



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Nurse With Wound - Chance Meeting On a Dissecting Table of A Sewing Machine and An Umbrella (1980) Inglaterra

Tardé en entregarme a Nurse With Wound. Cuando desgajaba su infame lista de influencias que acompañan el artwork de esta, su primera entrega, nunca pensé que la banda que se abanderaba todo aquel avant, free y kraut que estaba escuchando iba a volverse un objeto tan importante en mi discografía.
Después de años de melomanía, recogiendo las extremas influencias de la música del primer mundo, y luego de la formación (informal) de NWW en 1978, Steven Stapleton, el genio imperante detrás de los constantes cambios de line up en NWW a través de los años, recibe el sencillo regalo de un día gratis de estudio en UK. Steven accede, invita a su seguidilla de ACID HEADS y se internan en un viaje psicodelico hacia lo más profundo del ruido; su resultado: Chance Meeting On a Dissecting Table of A Sewing Machine and An Umbrella, invocando la experiencia dadaista, surrealista y maldita. El sonido de este disco es francamente perturbador, prefigurando la era industrial de los 80 y 90 y concomitante a las experiencias tardías de Sonic Youth con su propio sello SYR: Tracks de larga duración, guitarras liberando drones, el ocasional punteo blusero (el dueño del estudio pidió si podía improvisar algunos pasajes de guitarra sobre el vendaval de ruido que Stapleton y co. estaban produciendo) que, indirecta y casi azarosamente nos conecta con la influencia del rock progresivo y krautrock de cual Stapleton hace reverencia continua.
La foto anterior corresponde a la lista de influencias de NWW, casi todas bandas de los 60 y 70 que estaban experimentando con la herencia de Stockhausen y la libertad como principal fuerza compositora. Esta lista acompaña a este primer lanzamiento pero no representa un guía para entender el sonido de NWW. A pesar la influencia del concepto de "libertad", NWW se empecina en crear un sonido oscuro a partir del desorden y del caos. Usando la libertad, manipulándola, nos trae de vuelta toda la oscuridad ontologica y los desastres nucleares (por mencionar rostros invadidos de sopor y putrefacción) que nos atan, que nos recuerdan los lazos a nuestra propia mortalidad. No es de extrañarse que esta música este catalogada de "Dark Ambient", nombre bastante ambiguo si me lo permiten, pero que da una idea de lo que enfrentaremos cuando presionemos Play. Chance Meeting On a Dissecting Table of A Sewing Machine and An Umbrella es una mezcla exquisita de chirridos de guitarras eléctricas, manipulación azarosa de juguetes músicales o "noisemakers", espacios distendidos, ambientes y habitaciones beatniks, música del desorden y del tormento: un disco cuya libertad subraya la propia oxidación del cuerpo y eso lo convierte en una experiencia real, en arte subyugando el hedonismo.

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viernes 1 de agosto de 2008

Jacques Thollot - Quand Le Son Devient Aigu, Jeter La Girafe a La Mer (1971) Francia


Helo aquí, otro tentempié del mítico sello FUTURA (al que, sin prefigurarlo, estoy dedicando gran parte de mi tiempo e investigación). Este disco no representa una sorpresa para nosotros colaboradores de este blog, y pido disculpas a Ricardo por no subir los otros discos de Thollot que me pidió y que él desconoce (este blog es algo así como un ir y venir de sorpresas, un pequeño ajedrez sin conciencia de egos, solo las jugadas y enroques fantásticos). Lo subo porque encuentro que es necesario comenzar con esta piedra filosofal que sirve de cimiento para toda su obra posterior.
Jacques Thollot es un baterista de educación Clásica, que comenzó sus estudios a muy temprana edad (hoy día aparecería en youtube con el tag de "prodige child on drums" o algo por el estilo). Esto parece ser un patrón cuando de avant-garde se trata; como el mítico Cristian Vander, baterista de Magma, quien fue educado en jazz desde muy joven para entregarse a la musia devocional y construir un estilo propio desde las cenizas de John Coltrane, Thollot también representa un quiebre estructural a la herencia del free jazz que le antecedía, liberándolo de las convenciones instrumentales (vientos, cuerdas y batería) y creando una nueva forma de proclamar la libertad que el jazz se enorgullecía de poseer.
La traducción del titulo es la siguiente "cuando el sonido es altamente "pitcheado", lanza la girafa al mar"; la lúdica surrealidad que este nombre sugiere está implícita en la totalidad del disco y su inmanencia. Thollot hace las de hombre orquesta en él: toca el piano, el órgano, la batería y toda una triqueñuela electrónica difícil de calificar en parte por la oscuridad que rodea a todos los lanzamientos de FUTURA y en parte porque el sonido conseguido es difícilmente descriptivo, como suele suceder con el avant-garde. Yo entiendo este disco como un estudio del campo emocional: desde la deconstrucción de los temas que representan el conjuto de "solos de batería" donde Thollot deja en claro la intensidad dramática de un instrumento que ha recibido menos atención en la historia del jazz (apunte sobre Pierre Favre - Abanaba, busquen en el blog "mutant-sounds"), pasando por la herencia espacial de Satie y su traducción en el cuarto tema "mahagony extraits" que me inunda de un sentimiento irreconocible, situando al comienzo del vacío donde las lagrimas no corresponden, hasta la densidad oscura de "quiet days in prision", con un cello frotándose de tal manera que recuerda inmediatamente a Dantes en su pobre Chateau d'If a la espera de la venganza como único alimento. A pesar de ser un disco "absolutamente moderno" los temas que acabo de mencionar (digamos, la fracción lúcida del disco) representan la más exquisita expresión de la herencia clásica, hablan de un Thollot al borde de la descomposición, barajando las posibilidades absolutas de su música (Digamos, la fracción psicodelica del disco): Samples de bebes sufriendo, reverb en las baquetas de Thollot donde sus solos parecieran rozar lo cósmico, texturas de piano sobre texturas de piano sobre texturas de piano creando una delicada e irreconocible atmósfera, la soledad de su instrumento, la virtud de crear un disco en solitario entregándose al reconocimiento de sus posibilidades; Thollot, además de ser visionario y virtuoso, es arriesgado y descarado, y su música traduce esa nueva libertad con una veracidad impresionante.

PD: para aquellos "detectives salvajes", Thollot también ha contribuido con Jacques Berrocal y el "piérdete una" Don Cherry: BESTIAS. Aceptamos peticiones...

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jueves 31 de julio de 2008

Coil - The Unreleased Hellraiser Themes [1987] Inglaterra


Es imposible escribir de Coil con la luz prendida, es más: Coil alimenta la mictofobia. Esta banda me la presentó Julián y no podria escribir de ella sin darle créditos a él.

Está más que claro que Hellraiser es cine de terror, y de culto. Ese sádico personaje con clavos en la cara tendría que haber sido el enemigo de Freddy Krugger; y a pesar de que la película es oscura y macabra, su primer soundtrack fue rechazado por ser "demasiado oscuro". ¡Imagínense eso!: una banda sonora que supera las macabras escenas de Hellraiser. Pal pico.


Por Coil han pasado seis integrantes, pero el vocero o quien más da para hablar es el señor John Balance; quien fue amigo del novelista avant garde William Boroughs. Y es que Coil no es para niñita dark que adora a Siouxsie, sino que para aquella que quiso haber perdido su virginidad escuchando White Zombie. Y si se escucha mientras llueve, da la impresión que dios está otorgándonos su menstruación.

Este es el tercer disco del conjunto, y me veo en el deber de subirlo. No porque sea Coil. Tampoco porque sean los Ingleses más influyentes de la escena industrial, dark, drone y noise; sino porque Hellraiser hubiera sido aún más tenebrosa y sádica con este soundtrack. Lo que nos queda es mirar el techo acostados, con las luces apagadas y que nuestros fantasmas malignos se apoderen de nosotros y no nos dejen ni siquiera poder gritar. Como si estuvieramos en un viaje astral.

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lunes 28 de julio de 2008

Un Drame Musical Instantané - Sous Les Mers (1988) Francia


Super alineación francesa. Agradezco la introducción de este disco a mi amigo omhnablim (un californiano con el que chateo por soulseek), que ante mi interés por el free jazz francés me advirtió que mi biblioteca no podía estar completa, ni aspirar a la decencia, si en ella no figuraba DMI. Virtudes del siglo XXI, ahora poseo el disco. Mi primera sorpresa fue saber que aún están activos desde su formación en 1976, y que encima uno de sus miembros fundadores es el mismisimo Bernard Vitet, del cual ya postié la oscura amatista "La Guepe". DMI tiene su origen en una especie de proyecto devocional hacia otras formas de arte, específicamente el cine y la literatura. Se conciben a sí mismos como "live music on silent movies" en su vertiente cinéfila, musicalizando variadas obras maestras de la cinemaografía como La Pasion de Juana de Arco de Carl Dreyer, El Cabinete del Doctor Caligari, El hombre con la Cámara de Vertov y otras obras de Vigo, Eisenstein etc... En su corriente denominada "music with literature" han trabajado la musicalización de obras de Poe, Huellebecq, Zola y Julio Verne entre otras. Sous Les Mers corresponde a su trabajo de 1988. El disco está dividido en la músicalización de 3 obras: La primera parte del disco es una musicalización de 20 leguas de viaje submarino de Verne. La segunda de "Escarlate" un ballet de un tal Jean Gaudin. Y la tercera, una musicalización de una serie de cortos de otro ñato llamado Patrick Barbéris. Sería iluso describir la evolución o incluso la morfología de cada uno de los temas; siendo obras que en su afan hipertextual subrayan a aquellas que devocionan, las imagenes que ellas puedan provocar en mi difieren potencialmente de aquellas sugeridas por los autores. Esto puedo provocar la sensación de inutilidad frente al disco, ausente el material al cual están inevitablemente atadas. Sin embargo, esto no sucede; la maestría de este colectivo logra generar una música independiente, que se mueve sin problemas entre el free jazz, el avant garde y el world music, utilizando las sensaciones provocadas por sus referentes artisticos para potenciar la música que crean: un enriquecimiento hipertextual. Me atrevo a decir que DMI explora la vanguardia con más fuerza que aquellos discos que he estado devorando estos días: Jacques Berrocal, Jacques Thollot, Francois Tusques; DMI representa la última frontera de la exploración multi-medial, coherente con la época en que vivimos, y además se reserva el abolengo de tener entre su herencia y sus colaboradores a muchos de los músicos franceses más atrevidos de los 70: Luc Ferrari, Pierre Favre, Raymond Boni e incluso el mismo Berrocal, todos músicos que irán apareciendo en Anadiomena paulatinamente.

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domingo 27 de julio de 2008

Maldoror - She [1999] U.S.A / Japón

Los dibujos animados tienen soundtracks increíbles, donde un martillazo o un yunque puede parecernos agradables gracias al sonido que acompaña esta imagen. Este concepto, lo aplica el señor Mike Patton [Mr.Bungle, Fantómas, Tomahawk] y Masami Akita [Merzbow]; este último, a pesar de no ser tan conocido como el anterior, ha hecho alrededor de 250 discos, empezando a salir en créditos de películas Bondage [pornografía sadomasoquista]. Patton ha estado experimentando con ruidos desde 1991, pero este disco, podría considerarse su clímax, ya que hacía falta el ingrediente que sólo se lo pudo otorgar Merzbow. En este disco te vas a encontrar ambientes demasiados oscuros, que se podrian utilizar en una película de Dario Argento o en alguna gore censurada en India [al estilo Cannibal Holocaust]. Los gritos de Patton se suman a las frecuencias desfasadas de Akita, y esto hace que se produzca una escena sonora descabellante y exagerada, lo que hace que esto sea una experiencia genocida para los oídos de alguien que le gusta Coldplay.

Estos dos dementes, juegan y crean escenas tenebrosas y lúgubres, con un ingrediente que llega a ser gore. Se trata de la combinación máxima de dos exponentes de esta música desquiciada, muchas veces sin sentido y con bastante ruido. y se nota un gran cambio en lo que hace Patton, ya que desde 1997 que está experimentando con ruidos y frecuencias, pero en este disco lo logran a la perfección. Es cosa de ver los títulos que se ofrecen, y no es de extrañar que tienen un fetiche con los dibujos animados de la Warner o donde salgan atropellos o algún manga con degollaciones, que es en el caso de "Cherry Blossom Inferno" donde no se sabe si están degollando a una guagua o preparando un químico en un laboratorio. Realmente, este disco da para muchas interpretaciones; pero lo que sí es cierto, es que no va a dejar indiferente a nadie.


Cabe destacar que pertenece al sello discográfico Ipecac [a cargo de Greg Werckman y Mike Patton] y que es uno de los inicios a que este sello prometa su terrible amenaza de cambiar la música por completo; destruyendo todo tipo de armonías romanticonas.

Si eres de quienes no soportan el sonido de la tetera más de 30 segundos: este disco es un desafío auditivo, donde no se recomienda escucharlo con audífonos. Un regalo perfecto para quien detestas.

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jueves 24 de julio de 2008

Fille Qui Mousse - Trixie Stapelton (1971) Francia



Otra de los diamantes del oscuro sello Francés FUTURA. Esta banda sería prácticamente desconocida si no hubiese figurado en la infame NWW List. A diferencia de las usuales bandas que FUTURA apoyó al comienzo de los 70's (entre ellas Bernard Vitet ya postiado aquí y otras joyas que irán apareciendo con el tiempo) que se movían entre la música concreta y el avant-jazz, Fille Qui Mousse obtiene su sonido de la tradición del rock progresivo con los componentes avant y ambient que caracterizan a la mayoría de los discos de FUTURA. El disco abre con un clásico tema de la tradición de Agitation Free o Ash Ra Tempel más orientado a la psicodelia que a la música cósmica, pero esto no prefigura de ninguna manera como continúa el disco. En adelante se vuelve una mezcla de ambientes, spoken word y drone parecido al trabajo de Faust (postiado por ricardo en la entrada anterior) y a los proyectos solistas de Lee Ralando, guitarrista de Sonic Youth: guitarras y sintetizadores liberando notas perpetuas que van tejiendo una trama complicada y densa, como aquella escena de la sangre en The Shining, cripticos mensajes en Francés, ladridos de perros, una batalla campal entre pianos y guitarras desafinadas, todo lo necesario para volverse expresamente anti musica. El disco cierra con dos temas del orden progresivo, basados principalmente en el virtuosismo de la guitarra y tempo medio, como una batería muy cool jazz y vientos cruzandose por encima y dentro de los solos de la guitarra. A pesar de ser un disco singular, no demuestra una unidad petrea por la diferencia extensa entre su influencia progresiva y avant-garde. De todas formas cada uno de los temas, en su singularidad, representan un trabajo exquisito, psicodelico y decadente (muchos de los temas se escuchan francamente incompletos) digno de su presencia en la NWW List y de este blog.

PD: Fille Qui Mousee nunca lanzó oficialmente un disco. Grabó material durante 1971 con FUTURA que no fue editado en un LP. Posteriormente sería re lanzado en CD como dos discos uno de ellos el que presento acá. Probablemente el nombre de los track es incorrecto pero eso no le importa a nadie, ¿O si?

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lunes 21 de julio de 2008

Faust - Faust I [1971] Alemania


Experimentación con samplers, ruidos y rock. A comienzos de los 70's, a muchas bandas Alemanas se le denominó "Krautrock", por el quiebre de la estructura occidental, que a muchos parecía agradarles. Y este termino es muy variado, con una amplitud de ambientes; que van desde lo más espacial o minimalista, hasta lo más extraño y psicodélico: es el caso de Faust. Cabe destacar que Kraut, en Alemán significa "Hierba", por lo que puedo deducir que es "rock volado", aéreo o buscándole la quinta pata al gato: "Rock herbívoro".

Este disco es escencial en la historia del Krautrock, debido a que es una crítica a todos los temas y música que se le llama "single", es decir: lo comercial, lo que suena en la radio. Y efectivamente, así parte este disco, donde uno se encuentra con samplers de "All You Need Is Love" de The Beatles o "Satisfaction" de Rolling Stones, y dudo mucho que se trate de un tributo o de un homenaje, sino que todo lo contrario. Es más, esta es la música que "no tiene que hacerse, si el fin es comercial", como lo planteaba Lennon en la época de Sgt. Peppers, donde confiesa que la gente que escucha radio para entretenerse no está preparada para la experimentación; cosa que encuentro errónea, ya que detrás de ese discurso, hay muchas experimentaciones de su parte, en temas que fueron singles, como el caso de los 5 segundos al principio de "I Feel Fine" donde en la radio sonaba un Feedback. Vuelvo a Faust. Este disco me llama mucho la atención, no por el hecho de toda la experimentación con saxofones, samplers, órganos y sonidos electrónicos que le dan ese ambiente espacial, sino que son 3 temas, con una extensa duración, que no aburren y que mantiene una progresión sonora increíblemente catastrófica y teatral.

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Popol Vuh - Hosianna Mantra (1973) Alemania


Popol Vuh representa el inicio de la era sintetizada del Krautrock Aleman. A diferencias de bandas como Amon Duul II o Agitation Free, Popol Vuh se desprende completamente de la influencia del clásico rock folk psicodelico exportado de EEUU, dando inicio a un nuevo tipo de composición que sería el ovulo para el trabajo posterior de Klaus Schulze y otros músicos que finalmente (y tragicamente, en parte) cristalizarían sus esfuerzos en el New Age, pasando antes por el genero ambiental y el kosmische musik. Los primeros esfuerzos de Popol Vuh concentraban su sonido en el uso del sintetizador Moog, uno de los primeros aparatajes electrónicos utilizados por las bandas seminales alemanas, creando una atmósfera oceánica espacial que adquiere toques étnicos gracias a la utilización de instrumentos de percusión. El sintetizador en cuestión sería vendido posteriormente a Klaus Schulze, quien lo utilizaría en Tangerine Dream y en sus proyectos solistas. En Hosianna Mantra tenemos un Popol Vuh que conserva su toque ambiental, pero abandonando el uso de sintetizador para dar paso al piano consecuente con la formación clásica de su principal compositor, Florian Fricke. El disco busca emular una experiencia mística (de ahí su nombre y el nombre de la banda) volviéndose a ratos oscuro y celestial, como debe ser toparse cara a cara con Dios, increíblemente perverso y misericordioso. Para lograr este sonido utilizan cánticos agudos femeninos, como una especie de coro devocional con un leve toque sensual (aquel toque sensual del que Magma no sabe nada en su singular Mekanik Destruktiw Komandoh, disco que postearé más adelante), suaves derivas de pianos y hermosas guitarras bluseras, creando una atmósfera espiritual muy hermosa. este disco hace que el concepto Krautrock se deshaga por mal uso de la palabra, pero a la vez reivindica el concepto y habla perfectamente de esta corriente que fue la que llevó el rock a su máxima expresión de libertad y lisergia.

PD: Popol Vuh contribuyo como banda sonora a varias obras de Werner Herzog, entre ellas "Aguirre, la ira de Dios", unas de las pelicula más brutales y nihilistas que yo haya visto. No es menor contribuir con un cineasta tan de peso como Herzog

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y aquí un pequeño regalo desde el tubo, Popol Vuh circa 71, era electronica:

viernes 18 de julio de 2008

Naked City x 3 [1989 - 1992] U.S.A


Declaro borrachera antes de hablar de Naked City: soltarse de prejuicios y del erudismo que se suele escuchar en juntas o carretes. Para no dar un sermón sacado de Wikipedia; John Zorn es el saxofonista de esta banda, quien le da protagonismo a ese delirio desde las entrañas a todo lo que suena, donde sus tonos más altos son una invocación a la octava arcada bohemia.

Ese desgarro, Zorn lo juntó junto al señor de Yamatsuka Eye [Boredoms, Hanatarash] en la voz y forman Naked City. Antes pensé que era Mike Patton quien cantaba, hasta que investigué y me di cuenta que era un raquítico japonés con poleron y gorro, y que cuando grita, pareciera que le estuvieran mutilando las bolas con una navaja de afeitar.

John Zorn es de los multifacéticos que se ríen del insomnio y de nuestra era; esa que huele a inconformismo y desorden. Y Zorn hace lo mismo: le importa una real raja lo que significa la estructura, esa maldita armonía para burgueses con sabor a puro inmigrante; Zorn muestra rabia, desesperación, delirio y ganas de defecar por la boca. Su sonido es realmente un genocidio auditivo para las masas, y no me impresiona que Zorn, tras tener tantos proyectos a futuros y luego un sello discográfico, haya sacado más de 4 discos en menos de 5 años con este proyecto. Zorn es jugado, movido, de los que no tocan por hobbie; ha trabajado con tantos músicos jazzistas y thrashers, que es increíble su fusión de Grindcore, Free Jazz, Hardcore, Thrash y ese estilo que sólo Naked City sabe conservar en sus discos y presentaciones.

Pasó de ser el chascón con pinta de grunge, al jazzista que se le cae el pelo. Seguramente, quienes alucinan con Fantômas, Ornette Coleman o Boredoms, van a defecar semen con esta banda.

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Bernard Vitet - La Guepe (1971) Francia



Bernard Vitet "La Guepe", 1971, FUTURA, Francia: Free Jazz, Avant Garde

Al Jazz la libertad. Y aunque el gato SUN RA asegura que “nada lo es”, nosotros ocupamos las horas en la misma búsqueda desde un frió burgués, nosotros pequeñas polillas de golpe a la luz.

La primera vez que escuché a Bernard Vitet estaba enamorado de la poesía de una mujer y esos términos determinaron la búsqueda que ahora absorbe “La Guepe”: los violines de Dumas, las habitaciones extrañamente cerradas, el infinito en una pieza y las texturas de pianos que son ellas como tú dolor. La presencia de un yo absorto, así abre “La Guepe”, como la angustia en “Cecile” de Thollot pero de una clave aún más oculta. Sus imágenes le pertenecen a la pornografía y los hábitos neutros, aquellos que ocultamos del resto por ser vergonzosamente nuestros, habitando imposibles de erradicar todas las murallas que levantamos para enfrentar el mundo. Vitet te pregunta si estás seguro de los juicios de ayer, si estás seguro cuando le contestaste a tu padre que lo querías, que lo amabas mientras el abrazo se hacía demasiado largo.

La segunda y tercera composición aceleran la sensación como un primer punto de giro. Una violencia; violines desgajando un ruido de gatos heridos, y una voz femenina en la versión francesa de Rosi Muller que recuerda la ironía de todo el dolor, su retorno eterno a la literatura. El mismo paisaje eterno del free jazz interpretado por mi inocencia frente al idioma francés. Como Diamanda Galas gritaba “we are stakes” la música acá invita desde la imagen de una “lolita” vulgar e idiota. Sabemos lo que subrayan los vientos “no seas imbecil, no te aventures en esa pieza, esa mujer” no creas la libertad que se dibuja. Los solos de los vientos comienzan un ataque frente a las interrogantes antes planteadas. Solos breves, frenéticos, desafinados; la imagen convulsionada de un cuadro de Miguel Angel. El free y su coro disonante en la forma de la duda y el gran juicio. Las voces son cada uno de los soplidos y las percusiones el eco de las palabras en la piel del hombre juzgado, cualquiera sea el escucha. El juicio termina en el monologo de Rosi francesa, instando al público a recordar el pasado del que se presenta al disco: mirarse con un hombre en cada ojo.

“La guepe et le fruit” de traducción “la avispa y la fruta”. Pero yo no creo que sea un insecto. Los vientos ahora hacen de sus solos una unidad que taladra, explotan como las composiciones de Ornette en el “shape of jazz to come”, esas maquinas que quería llegar a Zion, golpes rítmicos de hombres encerrados en una habitación en llamas. El hombre busca su comida y eso es lo único que hay: el verbo engullir. La música se desordena en un banquete intenso, lleno de cruces de conversaciones y palabras alcanzadas con la mano. El habito de llenarse y la soledad de Rosi acompañada de un contrabajo como tripas y nausea. Un hombre de apariencia afable que está a punto de vomitar en esa cena de cerdos. Prisioneros de la vida y el hambre, Vitet nos bautiza insectos, maquinas programadas en sus necesidades.

Y ahora que estoy encerrado en la crisálida queda renacer. Vientos que retuercen el cuerpo y mis colores tratando de romper las murallas. Cada acorde recuerda la elasticidad de las morales que nos inventamos, y cuando por fin se ha roto la crisálida afuera, el universo, es el contrabajo asegurando curiosidad y otra búsqueda que terminará en la nueva forma al final de este disco, que no acaba en su transmutación horrible. Los vientos están enfrentándome a la configuración, como Jim Morrison invitándose a la cárcel. No contentos con el desorden creado, que es la creación de un orden, la música se deshace de mano del lenguaje de Rosi, que va asegurando los momentos subrayando las dudas indicando lo humano de la ausencia de forma. El tema concluye con un fade out, otra alegoría de lo inconcluso, el mal(¿?) de la música “out-there”

Cierre. “Balle de fusil (2)” su traducción me es ambigua. Algo así como “bala de fusil”. Violines frotados en notas muy agudas. Me recuerda a Iva Bittová en el documental “Step across the border” sobre Fred Frith. La sensación de errancia. No tengo idea hacía donde terminará esta épica. Quizá en el suicidio pero difícil de un prolífico como Vitet. Demasiada compañía de los instrumentos. Quizá nosotros el instrumento de la muerte. Convertidos en insectos la máquina y su evolución hacia la depredación. Durante unos segundos el contrabajo percutido dando un tempo regular, el recuerdo de una marcha y la comedia de la obstinación. Rosi discursiva, no es necesario entenderla para saber que la retórica debería sugerir una idea que acaba claramente en el punto centripeto de toda la música sus 44 minutos de aproximación al vacío y los vidrios y plasticos que hemos recolectado dentro de esa palabra. La música está incompleta, como el dibujo de quien escribe. Nadie lo es.

“Nada lo es”

PD: Este disco pertenece a las joyas demenciales, inertes, fabulosas del sello Futura, que acogió a las polillas más extrañas de la escena avant garde francesa de los 70; entre ellas: el diamante Jacques Thollot y el atolón Jacques Berrocal, Icaros del Jazz europeo.
PD 2: cada vez que nombro “Rosi” puedo estar diciendo “Bebe” o “Dominique”

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jueves 17 de julio de 2008

Ash Ra Tempel - Ash Ra Tempel (1971) Alemania



Cuando escucho una diamante tan raro, tan rehusado a la descripción, no puedo hacer otra cosa que aterrizarlo en la historia y buscar sus códigos en las pistas que me llevaron a él.

Conocí a Ash Ra Tempel gracias a un item llamado NWW List. NWW es la sigla para Nurse With Wound, banda inglesa del final de los 70 que deambula fácilmente entre TODOS los estilos musicales. Estos gatos recogieron toda la música de vanguardia que había sido producida antes que ellos y la fundieron en un sonido eclectico que puede facilmente llegar a ser perturbante por sus oscuridad e hiper texturalización. Coherentes con ellos mismos, en el artwork de su disco debut incluyen una lista con casi 300 nombres de bandas que son sus influencias y que representan una summa de la evolución músical, desde lo hedonico hasta lo conceptual y de vuelta.

"Categories strain, crack and sometimes break, under their burden - step out of the space provided..." Así versa el encabezado de la susodicha lista, y eso es exactamente lo que sucede dentro de ella: un cielo impresionante recorrido por colores pirotecnicos; uno de ellos: Ash Ra Tempel.
Y como no lo va a ser si el solo nombre evoca inmediatamente un espacio onírico y espacial. Ash Ra Tempel, un nombre que es un lugar y a la vez alguien, bendecido por el dote de no estar, materia liviana pero inaccesible.

Ash Ra Tempel es una de las bandas semillas del movimiento Krautrock en Alemania. Luego de la segunda guerra mundial era de esperarse la inserción del Rock como metodo de exportación cultural de parte de EEUU hacia Alemania, obligando a sus nuevos subditos a bailar la misma música que se bailaba en suelo Norteamericano. Pero los alemanes, con una tradición musical BRUTAL, saben como joderse al invasor. Esto es el Krautrock, la vertiente más psicodelica y experimental del rock progresivo. Los alemanes borrarían los rastros y bautizarían esta nueva aorta como Kosmische Musik (!!!) que es lo bastante elocuente como para necesitar traducción.

Manuel Gottsching y Harmut Enke son los miembros originales de la banda, viejos amigos de escuela. Luego se les uniría Klaus Schulze, baterista de Tangerine Dream y formarían el lineup que grabó el primer LP de Ash Ra Tempel. La anecdota es divertida. Enke compró unos amplificadores hermosos y gigantes que habían desechado Pink Floyd (!!!) y se los llevó a Alemania en Tren. Al parecer el sonido de la banda era el mejor que se podía escuchar en Berlin gracias a los amplificadores de Floyd y Klaus, gran fanático de la triquiñuela tecnológica como demostraría su trabajo en solitario e incluso sus primeros discos con Tangerine Dream, no pudo más que sucumbir al deseo de pertenecer a la banda "mejor amplificada" de Berlin.

Este es un debut impresionante; un "vulgar display of power" diría Pantera. El primer track, Amboss, es un tema que lleva el rock de carretera a la hyperhighway de la lisergia, combinando tensas y rapidísimas escalas de blues (Manuel a la guitarra) con un bajo pulsante y continuo como un bloque de cemento (harmut) y las baterías de Klaus en un ascenso trepidante hacia las nebulosas y otras visiones del lo Otro. Este tema contiene todas las épicas. Es el rock en su transmutación más lógica, su carne DADA vuelta, su autodestrucción inminente. El segundo track (lado 2, figurese) es un ritual que recuerda los ambiente abstractos que resultaban de las Gymnopedias de Satie. Mucho más disipado y calmado que Amboss, Traummaschine es la promesa después de la muerte, el otro lado del universo que Amboss buscó quebrar con su violencia electrica. Entre ambos abren y cierran la perfección del circulo del "disco" como producto total; este debut representa el equilibrio perfecto de la construcción conceptual de un disco: es increible en su poder contestatario como un arte poetica de Huidobro al rock que hereda, es una muestra de virtuosismo prodigioso e infante como un Rimbaud, es una prefiguración de la música del porvenir y se llama como la misma banda: Ash Ra Tempel.

Ash Ra Tempel - Ash Ra Tempel

1.- Amboss (19:40)
2. - Traummaschine (25:24)

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miércoles 11 de junio de 2008

Los Muertos De Cristo - Los Pobres No Tienen Patria [2000]


Banda Punk Anarquista. Infaltable para quienes escuchan Punk y aún siguen creyendo en esa hermosa utopía Anarquista.

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Los Muertos De Cristo
Miliciano Anónimo [En Vivo]



Kortatu - Kortatu [1985]

Banda Punk Vasca. Una de las pocas que nunca utilizó letras ni símbolos nazis.

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Kortatu
La Familia Iskariote


miércoles 4 de junio de 2008

Los Peores De Chile [1995]


Banda Punk Chilena, con un humor negro bastante agresivo. Modero mis palabras hacia Pogo, y mejor que él hable por si solo. Sólo decir: "Grande Pogo"

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Los Peores De Chile
Chicholina
1995

sábado 24 de mayo de 2008

Chicosnob - Grandes Éxitos (Re-edición)


Chicosnob es una persona de Talca, que junto a un amigo y amiga, logran sacar este compilado de temas Electro-clash y Electro-synth-pop bien divertido y sarcástico. Aunque a Chicosnob no le gusta e incluso se ríe de las clasificaciones musicales, deja en claro que sus letras - muchas veces refiriendose a lo que implica la frustración homosexual - no son de la nada; es más, tienen una coherencia, que por muy sarcástica o dirigido al humor, tienen absoluta razón en todo lo que se va relatando en los temas.

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Chicosnob
Amor Normal
2007

sábado 17 de mayo de 2008

Los Mono - Somos Los Que Estamos [2007]


Conjunto formado por C-funk [Los Tetas], Vicente Sanfuentes [Original Hamster, Hermanos Brothers] y uno de los integrantres de CHC. Su entrega fue rechazada por Canal 13, para la serie "Pulentos", donde se requería Hip-Hop para niños. Lamentablemente no quedaron seleccionados, pero el tiempo apremia, y es así que nos dejan este disco titulado "Somos Los Que Estamos". Con letras bien optimistas, con ritmos que no dejan indiferentes y sonidos bien infantiles, pero a su vez, conscientes y bien pulidos. Los Mono se podría decir que son de ese Hip-Hop buena onda, que no habla de drogas ni delincuencia.

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Los Mono
Promesas
2007

Mauricio Redolés [1997] ¿Quién Mató A Gaete? Chile


Doy comienzo con este excelente disco. Redolés no es de los que andan con rodeos y metáforas a la hora de criticar la política. Prefiere la incoherencia que ese adornado canto lírico. "No anda con hueás" como diría un buen roto Chileno. Pero lo que siempre ha destacado a Redolés es su poesía, su prosa y su sentido de humor. Gracias a Redolés, le tomé el gusto al Folcklore, al canto lírico y al cantautor. Este es de los serios, que huevean.

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Mauricio Redolés
Eh Rica
1996